STAR TREK A SÉRIE ANIMADA 1ª TEMPORADA (EUA, 1973 - 1974)

STRANGER THINGS 2ª TEMPORADA (EUA, 2017)

1922 (EUA, 2017)

TERROR 2017 54 1922

Niia Silveira 25/10/2017

Produção original da Netflix é um daqueles dramas com pinceladas sobrenaturais de King

Sem dúvidas, 2017 é o ano que prova que um rei nunca perde a majestade! Afinal, o autor ganhador do Troféu Golden nunca esteve tão em voga, na TV e nos cinemas, como neste ano. É claro que, como o Marcos já observou em outro artigo, nas décadas de 80 e 90 tivemos dezenas de adaptações de suas obras, porém vocês vão concordar comigo quando eu digo que a maioria era de natureza muito duvidosa. E é exatamente por isso que King tem motivos de sobra para comemorar: o ano tem sido muito generoso para ele e, consequentemente, para os fãs, em se tratando da qualidade e fidelidade das obras adaptadas. Depois do sucesso estrondoso de crítica e bilheteria de IT – A Coisa, e também de Jogo Perigoso, a bola da vez é a nova produção original da Netflix, 1922, que chegou nessa última sexta-feira ao catálogo do serviço de streaming. Adaptado do conto homônimo que integra o livro Escuridão Total Sem Estrelas, publicado em 2010, foi dirigido por Zak Hilditch e é um daqueles dramas com nuances sobrenaturais que King, vez ou outra, nos apresenta. Numa fazenda situada na cidade de Hemingford Home, Nebraska (que alguns leitores fiéis vão reconhecer como o lar de Mãe Abagail, de Dança da Morte) vive Wilfred James (Thomas Jane, irreconhecível) e sua família, composta pela esposa Arlette (Molly Parker) e seu filho adolescente Henry (Dylan Schmid). Apesar do clima tranquilo do campo, os James não vivem como uma verdadeira família de comercial de margarina, pois o casal disputa, internamente, pelo lugar em que moram. Wilfred herdou oitenta acres de terras agrícolas, que são de sua família há gerações; já Arlette possui uma propriedade de cem acres, porém ela não tem interesse algum em continuar morando na roça e despreza a vida simples, ao contrário de Wilf, que só pensa em seguir o legado e deixar uma boa quantia de terra para Henry. Os conflitos começam a aumentar quando Arlette decide vender sua parte nas terras para uma empresa e, com o dinheiro, abrir uma butique em Omaha. Já que nem passa pela cabeça de Wilfred ir embora dali, ela cogita pedir o divórcio e quer, como uma boa mãe, levar o filho consigo. A ideia de perder as coisas que são mais preciosas o deixa desgraçado da cabeça, e  começa, pouco a pouco, a arquitetar um plano, juntamente com o filho, para matar Arlette e dar um sumiço no corpo, jogando-o num poço abandonado. Vemos o filme todo sob a ótica da confissão por escrito de Wilfred, que depois de consumar o ato, percebe que as coisas nem de longe tomaram o rumo que ele planejou. Sozinho, acabado e consumido pela culpa, vivendo num quarto de hotel, ele vai narrando numa carta tudo o que se seguiu com ele e o filho após o assassinato da esposa. O ator Thomas Jane, que já havia trabalhado anteriormente em outras obras do King para o cinema (O Apanhador de Sonhos e O Nevoeiro) tem uma atuação brilhante, carregando o filme nas costas, com seu sotaque carregado, pele bronzeada, e seus trejeitos de homem simples, calejado pela vida dura. Já a personagem de Molly Parker, no entanto, é um dos poucos pontos negativos da obra. No conto, Arlette é uma mulher vil, astuta, manipuladora e arrogante, que faz a vida dos homens da casa um inferno. Ao longo da história, o próprio leitor tem vontade de entrar na jogada e matá-la com as próprias mãos, tamanha a irritação que a personagem proporciona, o que torna a ideia de Wilfred um pouco mais fácil de assimilar. Já no filme, a impressão que ficamos é a de que o patriarca apenas se amedrontou com a ideia de ficar sozinho e sem terras, quando na história original você vê o homem perdendo, aos poucos, o juízo, nas mãos de uma esposa que faz de tudo para humilhá-lo. A  história é muito bem contada por Hilditch, numa adaptação bem próxima da original, porém o andar arrastado do filme, com seus monólogos longos e poucas personagens, podem entediar quem não tem muita familiaridade com os dramas de King, ou quem espera um terror sobre fantasmas vingativos, ou nos moldes de tantos outras obras do autor. Fato é que a sutileza do sobrenatural, ou seja, as poucas aparições de Arlette depois de morta, deixa tudo ainda mais subentendido; em boa parte do filme nos perguntamos se aquilo tudo não é imaginação, fruto do sentimento de culpa de Wilfred, e essa sensação perdura até o final do filme, quando vemos o fatídico desfecho do sujeito, diferente do final do conto que, no entanto, denuncia a situação de loucura e remorso do personagem. De um modo geral, 1922 é mais uma grata surpresa da Netflix, de fotografia impecável e trilha sonora minimalista e sombria (assinada por outro rei, Mike Patton), que dão o ar soturno necessário para o enredo. A carga dramática presente pode não ser exatamente o que os fãs do horror esperam mas, certamente, a maneira como o conto foi adaptado fielmente para a TV, vai agradar em cheio os leitores assíduos de Stephen King.

4 ratazanas famintas para 1922

FONTE; http://101horrormovies.com.br/review-2017-54-1922-2/

SAHARA EM BUSCA DA SOBREVIVÊNCIA Sahara, EUA, 1943)

Direção: Zoltan Korda

SINOPSE

Direção: Zoltan Korda

SINOPSE

Ação explosiva do princípio ao fim, neste clássico de 1943, com presença marcante de Bogart, na envolvente história de um batalhão perdido num grande deserto da África, durante a segunda guerra. Após a queda da cidade Líbia de Tobruk, o sargento Joe Gunn (Humphrey Bogart) e sua equipe Waco Hoyt (Bruce Bennett), Fred Clarkson (Lloyd Bridges)e Jimmy Doyle (Dan Duryea) retiram-se em seu tanque pelo Sahara. Durante o caminho, eles recolhem seis combatentes aliados e Tambul (Rex Ingram), um soldado das forças sudanesas e seu prisioneiro italiano. Tambul leva o grupo a uma fortaleza deserta, onde eles esperam desesperadamente encontrar água. Um destacamento de soldados alemães chega e negociam trocar água por comida, mas Gunn e seus seguidores se recusam. Quando os alemães atacam, Gunn lidera seus homens em uma desesperada batalha, esperando que as forças inglesas cheguem a tempo.

O REI DOS DINOSSAUROS (King Dinosaur, EUA, 1955)

Direção: Bert I.Gordon

Produção: Al Zimbalist

Produção: Bert I.Gordon

Roteiro: Tom Gries

Supervisão de Animais: Ralph Helfer

ELENCO

William Bryant - Dr. Ralph Martin

Wanda Curtis - Dr. Patricia Bennett

Douglas Henderson - Dr. Richard Gordon

Patti Gallagher - Nora Pierce

Marvin Miller - Narrador

SINOPSE:
Após a incrível descoberta de um novo planeta que surgiu no sistema solar e que foi batizado de Planeta Nova, os Estados Unidos constroem um foguete que leva 4 tripulantes para explorar e estabelecer uma futura colônia da Terra. Mas o que eles descobrem lá, é que o planeta ainda emerge a vida, como foi na pré-história daqui e acabam encontrando monstros gigantes e sanguinários que atacam os 4 astronautas, encurralando eles no planeta selvagem.

COMENTÁRIOS:

Enfim a estreia do famoso e cultuado Bert I. Gordon na direção de um filme, após sua carreira de sucesso em comerciais para TV. Fundando uma produtora em parceria com o amigo Alfred Zimbalist, a ZIMGOR, Bert começa sua filmografia que nos traria grandes clássicos como THE AMAZING COLOSSAL MAN, BEGINNING OF THE END, CYCLOPS, THE ATTACK OF THE PUPPET PEOPLE e o genial THE MAGIC SWORD (meu favorito) entre tantos. Ele ficou conhecido como Mr. Big, uma abreviação das iniciais de seu nome, Bert Ira Gordon, pois se especializou em efeitos de fotografia causando gigantismos em todo tipo de animais e até pessoas, numa justaposição com a imagem real. E foi neste filme de estreia, que ele conheceu a então figurinista Flora Lang, com quem se casou e formaram uma parceria na confecção dos efeitos visuais que marcaram todos os seus filmes seguintes. Eles tiveram duas filhas sendo que Susan Gordon, atuaria ainda criança em vários de seus filmes, como ATTACK OF THE PUPPET PEOPLE, o aclamado TORMENTED e THE BOY AND THE PIRATES. KING DINOSAUR foi terrivelmente injustiçado na lista do doc OS 5O PIORES FILMES DO CINEMA, por não ser incluido, já que dificilmente algum daqueles títulos superam tanta trasheira que este clássico contém...na cena da formiga gigante, voce percebe parte da superfície da mesa onde ele foi previamente filmado e em alguns momentos fica transparente, o orçamento era tão pouco que não foi feito cenário para o foguete sendo usado apenas uma ponta em alumínio do rabo do foguete e não há cenas dentro dele, e as imagens na maioria são arquivos militares da época (stock footage). Um dos tripulante leva uma bomba atômica portátil prá lá e pra cá. Há cenas em que animais são maltratados, em especial Jo, um lêmure (do tipo honey bear) agarrado com força na cauda, pelos atores, que deveriam estar com ciúmes, pois o bichinho atuava melhor do que eles.  O Tiranossauro Rex, é na verdade uma iguana que teve seu chifre amarrado em nylon, para ficar em pé e o bichinho tenta se livrar sem sucesso. As lutas entre os animais são reais (a iguana que luta com o jacaré na verdade morre, mas no filme ela vence). Tem cenas usadas de outro filme, AS MINAS DO REI SALOMÃO e vários outros enxertos. O grande mico é um elefante cheio de tiras coladas no corpo para se passar por um mamute e a melhor cena é uma píton, de propriedade do Ralph Helfer, o responsável pelo uso dos bichos, incluindo o pobre do Jo, que passeia pelos atores e faz uns movimentos bem hostis. Al Zimbalist já havia emplacado dois anos antes, outro sabugão chamado CAT WOMAN OF THE MOON, que ele escreveu, produziu e criou os (d)efeitos especiais. Mas a verdade é que KING DINOSAUR tem uma legião de fãs do low-budget sci-fi e é adorado até hoje como o KING OF TRASH, campeão de vendas em DVD. A narração ficou por conta do indefectível MARVIN MILLER, que também faria narração em THE DEADLY MANTIS e também a voz do ROBBY THE ROBOT, tanto em FORBIDDEN PLANET, como em THE INVISIBLE BOY. Aliás o filme tem cerca de 10 minutos de narração até os atores começarem de fato a falar e interpretar. Mais um inédito clássico sci-fi com legendas em portugues br que tive o prazer de traduzir em meio a acessos de riso.

Leia mais:

http://cinespacemonster.blogspot.com/2011/02/o-rei-dos-dinossauros-1955.html#ixzz4wYRATTm5
http://www.cinespacemonster.blogspot.com/apage.html#ixzz0JSUnUmvQ 

493 1969 LUCÍA (Cuba)

492 1969 MINHA NOITE COM ELA (Ma Nuit Chez Maud)

MEU MALVADO FAVORITO 3 (Despicable Me 3, EUA, 2017)

FRANKENSTEIN CONTRA O MONSTRO ESPACIAL (Frankenstein meet the Monster Spacial, EUA, 1965)

SINOPSE:

Rainha de Marte vem a Terra raptar fêmeas humanas, para repovoar seu planeta, que foi devastado por uma guerra nuclear, e a única mulher sobrevivente é a própria rainha. Filme B de baixíssimo orçamento, em compensação muito divertido, uma curiosidade o ator James Karen (A Volta dos Mortos Vivos 1 e 2 , Poltergeist,etc) é o cientista do filme, que não tem nada a ver com Frankenstein, a única semelhança é o nome de um androide astronauta criado por ele que é Frank e que tem seu cérebro danificado durante um teste com a espaçonave.

COMENTÁRIOS (POR CARTWRIGHT)

Além das atuações prá lá de cômicas e edwoodianas, eu chamo a atenção para as 2 canções "nuggets songs" do grupo The Poets, principalmente a chatinha mas psicodélica "That's The Way It's Got To Be", gravados num 45'inch e que sonoriza o filme do começo ao fim. A banda desapareceu junto com o compacto simples no mesmo ano. A cena em que jovens americanos residentes em Porto Rico dançam na beira da piscina é de doer os ossos. Só uma invasão marciana mesmo pra acabar com aquela esculhambação. Assisti nos cinemas como Marte Invade Porto Rico, tenho certeza que Ed Wood chorou lágrimas de inveja, um cult imperdível e idolatrado. 

FONTE: 

http://cinespacemonster.blogspot.com.br/2014/05/frankenstein-meets-space-monster-aka.html#more

SEMPRE AOS DOMINGOS (Les Dimanches De Ville D'Avray, França, 1962)

Direção: Serge Bourguignon

Sinopse: 

Sofrendo de amnésia, um ex-combatente vive atormentado por ter matado uma criança na guerra. Sua vida começa a mudar quando encontra uma menina abandonada pelo próprio pai e passa a se encontrar todo domingo com ela para brincar e, ao mesmo tempo, tentar lembrar de seu passado. Aos poucos, a relação entre os dois começa a ser mal interpretada, até mesmo pelos amigos de Pierre.

TENSÃO (Tension , EUA, 1949)

Direção: John Berry

Sinopse:

Um gerente de farmácia tímido vira assassino depois que sua esposa o deixa por outro homem. Ele elabora um plano complexo, que envolve assumindo uma nova identidade, para fazer parecer que alguém assassinou seu novo namorado. As coisas tomam um rumo inesperado quando alguém comete o assassinato primeiro e ele se torna o principal suspeito.

THE LIMEHOUSE GOLEM (Reino Unido, 2016)

TERROR 2017 55 THE LIMEHOUSE GOLEM

Daniel Rodriguez 31/10/2017

Antes de Jack, havia o Golem

Existem lugares que parecem propensos ao horror e ao mistério. Os becos e vielas sombrios da Inglaterra vitoriana figuram ostensivamente entre estes, herança clara do horror gótico que vem povoando nosso inconsciente já faz uma quota, mantendo um charme que tem resistido sistematicamente ao teste do tempo. Nos últimos anos, esse gênero literário/cinematográfico tem dado as caras com timidez, por meio do retorno da Hammer com seu A Mulher de Preto, da série Penny Dreadful e até no trabalho de Del Toro em A Colina Escarlate, entre outras coisinhas. The Limehouse Golem surge para compor esse cenário, transbordando de uma vibe totalmente Jack, O Estripador, porém sem basear-se tanto na realidade, como no caso do notório assassino em série, um dos primeiros a popularizar essa moda. O longa ficcional com gostinho de caso real é inspirado no livro Dan Leno and the Limehouse Golem, de 1994. Obra esta que acompanha a investigação de uma série de assassinatos brutais e sem relação aparente, atribuídos a um Golem, em paralelo com o julgamento de Elizabeth Cree (Olivia Cooke), acusada de envenenar o marido por motivos torpes. Um dos charmes do livro, transposto para as telas, é a utilização de personagens históricos reais, como Karl Marx, George Gissing e o próprio Dan Leno. A adaptação para os cinemas nasce das mãos do diretor Juan Carlos Medina e da roteirista Jane Goldman e traz um elenco encabeçado por uma inspiradíssima Olivia Cooke, acompanhada de atores ingleses veteranos e novatos, como Bill Nighy e Douglas Booth. Ainda não tive o prazer de conferir a obra literária para saber quais liberdades criativas foram tomadas, tanto na caracterização desses personagens quanto na própria narrativa diferenciada. O julgamento de Elizabeth Cree e a caçada ao Golem são o epicentro narrativo do longa. A partir daí, a narrativa se desdobra em flashbacks, que recontam o passado da mulher e ocasionais cenas em que a imaginação do detetive Kildare (Bill Nighy) reconstrói as cenas de crime do monstruoso serial killer pelas ruas do distrito de Limehouse, sempre com base nos suspeitos. Por muito pouco essa sobreposição de narrativas não se tornou uma bagunça completa. Felizmente, o resultado é deveras envolvente. Elizabeth se destaca pela aparência e personalidade cativantes, capazes de tornar seu destino mais importante que a captura do assassino. Essa atração ocorre não apenas entre personagem-espectador, mas também entre a moça e o investigador veterano, para quem ela conta todas as desventuras de sua infância sofrida e breve carreira artística, prejudicada por várias razões, mas uma em especial: ser mulher. Ainda mais envolvente que os flashbacks são momentos horripilantes em que Kildare interroga os suspeitos do crime e os imagina cometendo as atrocidades sanguinolentas do Golem, sempre acompanhadas de um narrador com uma voz distorcida que garante uma dose extra de arrepio. Essa suposta criatura é de origem judaica e foi representada quase um século atrás, na obra seminal do expressionismo alemão O Golem, mas não possui os contornos dados ao assassino do filme. Apesar da mística em torno do criminoso, a ideia do sobrenatural não é explorada, mantendo os pés no chão. Ainda mais mítico e antológico que esse monstro é a cena em que vemos ninguém menos que KARL MARX, aquele mesmo que escreveu O Manifesto Comunista, decapitando uma pessoa em uma igreja, em uma das visões de Kildare. Brilhantismo puro! Se o simples conceito de um Karl Marx serial killer não te convenceu a procurar The Limehouse Golem, talvez a magnífica ambientação na Londres Vitoriana o faça. Quando não está percorrendo as vielas do bairro pobre, a ambientação se dá dentro do teatro de Dan Leno, o que remete muito ao Grand Guignol, dito como um dos precursores do horror. Aparentemente, Leno era famoso pelas performances transvestido, em que aproveitava-se de uma posição privilegiada para dar voz a problemas enfrentados pelas mulheres de sua época. No filme ele parece realmente ser um dos poucos personagens ao lado de Elizabeth. Essa questão do papel da mulher é bem presente, talvez por termos uma roteirista mulher nos bastidores. É uma temática que perpassa toda sua duração e tem um grande impacto na conclusão, tanto no destino de Elizabeth quanto na fantástica reviravolta sobre os assassinatos do Golem de Limehouse, em todo seu misticismo.

4 facadas para The Limehouse Golem

Fonte: http://101horrormovies.com.br/review-2017-55-the-limehouse-golem/

ANNABELLE 2 A CRIAÇÃO DO MAL (Annabelle 2, EUA, 2017)

TERROR 2017 37 2017 ANNABELLE 2: A CRIAÇÃO DO MAL

Daniel Rodriguez 16/08/2017

Nada de novo no front

Imagino se, ao lançar seu Invocação do Mal, James Wan já imaginava que Annabelle roubaria a atenção da vilã principal de seu filme. Passados quatro anos, poucos se lembram da bruxa Batsheba Sherman que atormentava a família Perron. A boneca possuída, em compensação, volta aos cinemas em seu segundo filme solo, assustando novos espectadores com truques velhos. Annabelle 2: A Criação do Mal é a quarta parte do Conjuring-verse, universo compartilhado de terror criado por Wan, tendo como base os casos investigados pelo casal Ed e Lorraine Warren e inspirado no conceito estabelecido pela Marvel Studios e seus filmes de super-herói. Voltamos ainda mais no passado com essa sequência, característica recorrente dentro desse mundo em que temos apenas filmes de época. O novo longa é dirigido por um dos novos nomes do nosso amado gênero na atualidade, David F. Sandberg, que ganhou espaço com seu curta Lights Out, recém transformado no longa Quando as Luzes se Apagam. Com críticas favoráveis, parece que há um consenso de que a sequência é superior ao original. Apesar de concordar em partes, apresentarei uma opinião quiçá polêmica sobre o tema, pois acredito que Annabelle e a segunda parte são igualmente medíocres, mas ainda melhores do que o que está por vir nos próximos anos. Na ocasião de seu lançamento, Annabelle trazia nas costas o peso de dar sequência a Invocação do Mal e a necessidade de ter que aproveitar o hype alçado pelo dito cujo. A popularidade da boneca sacramentou a demanda por um filme que, muito provavelmente, já havia sido pensado antes, dada a predileção de Wan por coisas do tipo, mas ainda assim, o tempo urgia. Não é de se surpreender que tenhamos no trabalho de John R. Leonetti uma fita ultrabásica, trabalhada em cima de preceitos mais que comuns ao gênero, um roteiro clichê da cabeça aos pés e com um espiritualismo barato inserido em seu texto. A ideia de tratar esses filmes como universo compartilhado facilita um pouco a classificação dos mesmos, caso contrário teríamos em Annabelle 2, um prequel de um spin-off que também era um prequel. Sandberg nos leva até a origem da boneca maldita para que possamos entender um pouco mais de seu funcionamento. Aparentemente, Annabelle não era o nome da boneca e sim da primeira dona que ela teve, uma garotinha de quatro anos. Supostamente retornada dos mortos, se apossa da boneca “fofa”, transformando-a na boneca sinforosa que todos conhecemos. Uma das vantagens de um tempo de produção mais longo é a atenção ao roteiro, que consegue se livrar de algumas banalidades presentes no anterior. Mesmo assim, não consegue (e nem tenta) fugir da estrutura formulaica pré-estabelecida pelo próprio James Wan. Não apenas a narrativa segue o mesmo padrão básico, como a construção do medo existe da mesma maneira a que estamos tão acostumados. Claro que, se essa repetição continua a render frutos, é por ser bem-sucedida em algo. Longas que tratam de espíritos, assombrações, possessões e afins, tão característicos da mitologia judaico-cristã, costumam encontrar terreno fértil em um público que, muito provavelmente, cresceu temente a essas coisas. É senso comum que uma boneca que olha para o dono por conta própria é algo assustador e obra do Coisa-Ruim. É bem fácil observarmos que essa ideia da boneca viva, de objetos se movendo no escuro e vultos em corredores vazios são efetivas formas de causar medo. Assim como em todo o cinema de Wan, Sandberg utiliza desse mesmo aparato para tentar nos amedrontar. Vale dizer que esse jovem astro é um diretor melhor e mais confiante que Leonetti e se aproxima mais de seu mentor, para o bem e para o mal, especialmente com o recorrente jogo de vai-e-volta da câmera, que salta de plano em contra plano até nos pegar desprevenidos com um baita susto, além de outras movimentações. Apesar de melhor nesses aspectos, Annabelle 2 banalizou a figura do demônio, revelando-o em excesso, de maneira boçal e com efeitos pouco impressionantes. No primeiro longa, Leonetti soube como dosar a manifestação de Satanás com mais habilidade, fazendo-se valer da lógica do “menos é mais” ao invés de colocar uma garotinha com cara de diabo falando “EU QUERO SUA ALMA”. Lembro-me com clareza do momento em que o demônio apareceu, ameaçador, por detrás da boneca, ainda no primeiro filme e também da cena do depósito do prédio, que deve ser a melhor sequência de todos os longas do Conjuring-Verse. Aqui, o capeta parece mais interessado em atentar a vida alheia do que realmente causar algum mal. Até o objetivo do cramunhão era mais claro, até então. No mais, a experiência final ainda é bem pouco memorável. Não há nada de realmente marcante ou de arrepiar os cabelos, além dos sustos passageiros, que o faça se destacar do longa anterior. Mirando o mesmo público que Invocação do Mal, é uma fita que deve causar um alvoroço no público de terror mais genérico. Basicamente, não é um filme ruim, mas também não é um filme bom, é apenas medíocre. Particularmente, não sou um grande fã do Conjuring-verse. Esse universo tem seus méritos e é bem melhor construído que, digamos, o Dark Universe ou até o DC Cinematic Universe, que são outras franquias nos mesmos moldes, porém o moralismo cristão barato e a estrutura enlatada não me convencem. Independente disso, o pior de tudo é a iminente chegada de A Freira, longa anunciado pouco depois do sucesso de Invocação do Mal 2 e mencionado duas vezes em Annabelle 2. No momento em que vi essa personagem pela primeira vez, nos trailers, tive certeza de que era uma figura desenvolvida com o intuito de gerar um novo filme e expandir a série. Trata-se, obviamente, de um produto visual criado sob encomenda para ser vendido e não um personagem bem construído. Annabelle ao menos possui toda uma história (real) e uma mítica ao seu redor. É ainda mais bizarro se considerarmos que, no segundo longa de Wan, Lorraine diz que o demônio assumiu aquela forma para atacar e distorcer sua própria fé. Então por que diabos o tal do Valak ia continuar sendo uma freira para aterrorizar pessoas diferentes? Se é possível prever o fim ou a queda desse império do Conjuring-verse, diria que ele começará com a tal freira do mal.

3 bonecas para Annabelle 2: A Criação do Mal

AO CAIR DA NOITE (It Comes at Night, EUA, 2017)

LORE 1ª TEMPORADA (Crenças, EUA,2017)

O DIABO DISSE NÃO (Heaven Can Wait, EUA, 1943)

Direção: Ernst Lubitsch

Sinopse:

Henry Van Cleve (Don Ameche), um ex-playboy já maduro, morreu e foi para o inferno. Mas o chefão das trevas, Sua Excelência (Laird Cregar), não está convencido que Van Cleve veio para o lugar certo. Henry começa a contar a história de sua vida, desde seus primeiros arroubos de paixão por uma governanta francesa até quando cortejou e ganhou o coração de sua bela esposa Martha (Gene Tierney). No entanto, apesar de profundamente apaixonado, ele nunca conseguiu ser totalmente fiel e está convencido que merece uma vida de castigos eternos no inferno.

O MASSACRE DA SERRA ELÉTRICA LEATHERFACE (Leatherface, EUA, 2017)

TERROR 2017 49 LEATHERFACE

Daniel Rodriguez 09/10/2017

A mais nova “nova história de origem” de O Massacre da Serra Elétrica

Leatherface e Chucky retornaram ao cinema praticamente na mesma semana no final de setembro/2017. Um dando continuidade à um universo, outro tentando reiniciar mais uma vez uma história que já há muito tem girado sem sair do lugar. Os escolhidos para tentar dar nova vida ao assassino da serra elétrica foram os franceses Alexandre Bustillo e Julien Maury, por quem tenho grande admiração. A filmografia da dupla vai de A Invasora até, mais recentemente, um dos segmentos de ABCs da Morte 2, que por sinal é um dos meus curtas favoritos. Como característica básica de seus trabalhos, vejo um apreço pela violência extrema e suja e pela destruição das instituições. Ora, afinal estamos falando de dois dos maiores expoentes do New French Extremity! Se bem me lembro essa é a oitava incursão cinematográfica no universo criado pelo recém falecido Tobe Hooper, lá nos idos anos 70, incluindo os dois remakes. O foco central recai sobre a origem de Leatherface, cujo nome real é Jedidiah Sawyer, deixando o resto dos loucos canibais um pouco de lado. Bem, quase todos! Datado em algum período supostamente anterior ao filme de 74, temos um jovem Jedidiah e sua família perturbada deixando um rastro de sangue que cruza o caminho de um xerife linha dura. Graças à maldade pura dos Sawyer, o tal policial perde a própria filha, fato que o leva a querer destruir a família caipira utilizando-se de todo um aparato legal, separando Jed judicialmente de sua mãe. A matriarca, Verna Sawyer, já havia aparecido no assombroso O Massacre da Serra Elétrica 3D – A Lenda Continua, lá interpretada por ninguém mais ninguém menos que Marilyn Burns, aquela mesma do filme original, uma das primeiras final girls do horror. A relação entre Verna e Jed é pulverizada no início e fim do filme e parece bem inspirada na dinâmica materna dominadora de Norma e Norman Bates, da série Bates Motel – afinal ambos os personagens bebem da mesma fonte, o serial killer Ed Gein – especialmente por meio da sua performance, mas com aquele toque caipira chegado em carne humana. Ah, pra ser honesto, e para a tristeza geral da nação, não há qualquer menção ao canibalismo e quase nenhum outro Sawyer que nós conhecemos. Boa parte da história é situada no período de internação de Jed, durante a adolescência. Uma das melhores escolhas do roteiro foi ocultar a identidade do assassino nessa faixa etária, deixando o público com diferentes opções, uma delas até bem óbvia. É só quando as pontas soltas vão sendo aparadas que a identidade do personagem fica clara. Até lá temos uma jornada bem… maçante. Salvo os dois primeiros longas e quiçá o remake, O Massacre da Serra Elétrica não é uma série lá tão notável. Leatherface não faz absolutamente nada para melhorar o panorama, apesar de ter se alçado um pouco mais para cima na tabela de qualidade, em comparação com seu predecessor 3D (Desgraçado, Defeituoso e Desvirtuado). A trama abarca uma quantidade muito grande de personagens que, obviamente, terminam subdesenvolvidos dentro do pouco tempo de projeção. Como essa se trata de uma história de origem, fazer com que os personagens sejam relacionáveis e interessantes é mais que obrigação, mas isso não é algo presente por aqui. Um dos jovens candidatos a Leatherface até desperta curiosidade, assim como o policial de Finn Jones e sua revolta mega passiva, mas apenas o primeiro tem um arco realmente bom. Apesar da maioria dos personagens serem do tipo “não-fede-não-cheira”, um casal em especial conquistou o prêmio de Rei e Rainha da chatice. Os louquinhos psicóticos Ike e Clarice são meramente caricaturas de rednecks doentios. Tanto em atuação quanto em personagem, parece que temos uma tentativa sofrível de replicar os duos perversos de Assassinos por Natureza ou Rejeitados Pelo Diabo. Algumas sequências são de uma forçada de barra tão grande que a vergonha alheia domina. Talvez essa seja a sensação mais poderosa que o filme provoca, o que realmente entristece, dada a visceralidade do trabalho de Maury e Bustillo. A câmera tremida é constante no filme e muitas vezes se distancia da violência gráfica. A impressão passada é de que os diretores queriam trazer o gore em peso, mas toda vez que se aproximavam de tal momento, algum produtor aparecia para puxar as rédeas. Vale sempre lembrar que o primeiro O Massacre da Serra Elétrica nunca foi um filme tão sangrento quanto sempre pensamos, mas a violência extrema tornou-se marca registrada da série ao longo do ano. Existem algumas cenas bem brutais por aqui, mesmo com essa pequena censura, além de um alto número de mortes e finais inesperados para vários personagens. Os efeitos práticos são um ponto alto, como sempre. Infelizmente o prequel só engata de verdade no último ato, com a revelação do Leatherface e sua metamorfose em um monstro perturbado e impiedoso. A sequência final reforça essa relação de dominância estilo Norma/Norman e nos apresenta um desfecho bem sórdido. Se em um filme de super heróis a história de origem termina com um grande ato de heroísmo e uma compensação positiva por tais atos, há uma relação bem parecida aqui, apesar de diametralmente oposta. Lembrei-me, inclusive, das palavras do cineasta Adam Green, que colocou os ícones do horror no patamar de “heróis”, do ponto de vista da cultura pop e da idolatria que nós, fãs do gênero, temos por essas figuras macabras. Aos aficionados pela série e horror em geral, recomendo assistirem com parcimônia. No final das contas o longa existe em algum lugar que flutua entre melhor que os pessimistas esperavam, pior do que os otimistas desejavam. Uma sequência mostrando os anos que se seguiram ao final talvez seja um lugar interessante para se visitar no futuro. Sabemos muito bem que esse osso não será solto tão facilmente pelos produtores, então que ao menos algo legal apareça disso tudo.

3 membros serrados para Leatherface

Fonte: https://101horrormovies.com.br/review-2017-49-leatherface/

A BABÁ (The Babysitter, EUA, 2017)

TERROR 2017 51 A BABÁ

Marcos Brolia 16/10/2017

Comédia de horror besteirol adolescente despretensiosa.

Sabe aquela típica comédia de horror adolescente, exemplo de diversão descompromissada, com todo um clima throwback Sessão da Tarde, e mais, repleto de gore? Isso é A Babá, nova produção original da incansável Netflix, que estreou em sua grade de programação na última sexta-feira 13/10/2017. Dirigido por McG, sim, aquele mesmo de As Panteras e O Exterminador do Futuro: A Salvação e escrito por Brian Duffeld, da Série Divergente. A Babá é um caso de estudo perfeito daquele tipo de filme que você fica “zapeando” no serviço de streaming procurando alguma coisa sem pretensão nenhuma para assistir para tapar um buraco de 90 minutos livres em sua vida. E que no final, até consegue lhe surpreender positivamente, contanto que você entenda sua proposta desde o início. Para começo de conversa, estamos falando de uma produção voltada para o público adolescente, então não espera nada mais que um apanhado de clichês, personagens completamente estereotipados, humor bem do sem graça em muitas das situações em uma história mais velha que andar pra frente. Isso com piadas de situação totalmente adoles, mesclado com uma cacetada de referências da cultura pop, trilha sonora afiada e elementos visuais e narrativos usados em cena, além da edição, que conversam perfeitamente com essa geração Z. Só que além de tudo isso, temos lá seu humor negro afiado vez ou outra, momentos de tensão típicos de um slasher e thriller de sobrevivência e muito, mas muito sangue sendo despejado, mostrando que mesmo sem qualquer pretensão, o filme bebe claramente na fonte de clássicos como A Morte do Demônio, atualizado para uma geração posterior à Garota Infernal. Naquele emaranhado de clichês e personagens estereótipos que falei lá em cima, a trama traz o adolescente Cole (Judah Lewis, moleque para se prestar atenção) que passa uma noite sozinho em casa com a gostosíssima babá, Bee (vivida por Samara Weaving – que você pode lembrar da participação rápida na série Ash vs Evil Dead, ou então por ser sobrinha do Hugo “Agente Smith/ Priscila/ Elrond/ Caveira Vermelha” Weaving. A garota é literalmente a mina dos sonhos: loira, linda, alta, bronzeada, corpo escultural, mega gente boa e fã de ficção científica. Obviamente o meninão é apaixonado por ela. Mas, por trás desta perfeição toda, esconde-se o fato de que ela faz parte de uma seita satânica e precisa do sangue de um inocente para realizar um ritual descrito em um antigo grimório. E parece já ser expert no assunto. Ou seja, Cole passa a ser perseguido por Bee e o grupinho que faz parte de seu culto e precisa sobreviver a todo custo. Enquanto isso, tome gente tendo o crânio perfurado por facas, cabeças explodindo com tiro de dose, enforcamentos, empalamento e escatologia com banhos de sangue aos borbotões, mostrando que mesmo sendo um filme teen, tem uma dose considerável de violência gráfica, além de uma série de paródias ao próprio subgênero, ao melhor estilo O Segredo da Cabana. Veredicto? Não espere muita coisa de A Babá. Mas não o critique por ser exatamente da forma que é e voltado para uma faixa etária que talvez você não faça mais parte. Não seja essa pessoa. A proposta é bastante clara e cumpre exatamente aquilo que promete, e que diabos, não tem mal nenhum em gastar dois neurônios assistindo a um filme que ainda entrega um splatter caricato, sacaneia os próprios lugares-comum e remete uma deliciosa sensação saudosista da época em que a juventude podia se deliciar com esse naipe de terror adolescente.

3 rituais para A Babá

Fonte: https://101horrormovies.com.br/review-2017-51-a-baba/

Mr. MERCEDES 1ª TEMPORADA (EUA, 2017)

A TORRE NEGRA (The Dark Tower, EUA, 2017)

TERROR 2017 39 2017 A TORRE NEGRA

Marcos Brolia 23/08/2017

Deixou os fãs pistola, mas funciona como filme fechado e entretenimento sem compromisso para o resto dos mortais

Filme é filme, livro é livro. E vice-versa! Tá escrito lá na pedra dos Dez Mandamentos, no rodapé. Eu juro, pode procurar. Por isso abro a resenha de A Torre Negra, adaptação mais que aguardada da magnum opus de Stephen King, explicando que nunca li a série literária do escritor do Maine, portanto, vou me ater apenas sobre sua versão cinematográfica, sem compará-las, e já ciente de que os fãs fervorosos da saga ficaram PISTOLA e acharam muito aquém para algo aguardado há tanto tempo e com tamanha expectativa. Pois bem, munido de apenas algumas pinceladas de informações sobre os livros, minha primeira conclusão sobre a sua versão nas telas é que ela funciona muito bem em sua intenção de entretenimento pipoca descartável para uma tarde de sábado no cinema e como obra independente, com começo, meio e fim, sem a intenção de criar uma franquia interminável ou universo conectado, como vem acontecendo com praticamente todo o cinemão da cultura pop no momento. É até atípico – e louvável – assistir a um filme nesses moldes.

Em contrapartida, nesse fato também se encontra seu calcanhar de Aquiles, uma vez que sua duração é MUITO curta, apenas 95 minutos, e a nítida impressão é que ficou faltando metragem, resultando em um longa sem profundidade alguma ao apresentar todos os ricos aspectos daquele mundo fantástico e desenvolver seus personagens, o que desemboca em um terceiro ato apressadíssimo, culminando numa série de atropelos, uma conclusão rápida e fácil demais, carecendo de mais tempo de exibição para um filme que condensa uma trama que demorou trinta e três anos para ser concluída em oito livros publicados. Talvez uma meia-horinha a mais ou um roteiro melhor escrito, tivesse contornado pelo menos em parte a problemática. Basicamente A Torre Negra se segura por conta de dois incríveis atores no elenco, o que garante o passatempo descompromissado: Idris Elba – esse negro maravilhoso! – como o Pistoleiro, Roland Deschain, último da linhagem de Eld, cuja missão era proteger a Torre Negra, estrutura que é um bastião de um multiverso, responsável por impedir a entrada das forças das trevas, que abandonou sua altruísta tarefa em busca de vingança contra Walter, vulgo O Homem de Preto, interpretado por Matthew McConaughey, que dizimou todos os Pistoleiros, inclusive o pai de Roland, e rapta crianças com poderes mediúnicos para extrair sua capacidade psicocinética a fim de destruir a Torre e jogar todas as dimensões em um mundo sombrio governado pelo próprio. Dois puta atores vivendo dois puta personagens, só que sem o mínimo de complexidade ou aproximação com o espectador, meio que no automático, apesar de McConaughey estar muito bem, mal até o osso. Confesso que adoraria vê-lo num vilão melhor aproveitado, ou até mesmo estrelando uma nova adaptação de A Dança da Morte, encarnando Randall Flagg, um de seus muitos pseudônimos. O problema é tudo ser tão raso, rápido, e tão jogado, num roteiro escrito a OITO mãos, capitaneado por Akiva Goldsman – que também assina a produção ao lado de Ron Howard, duplinha dinâmica responsável pelas adaptações dos livros de Dan Brown. Mas se A Torre Negra não tem interesse (ou finge não ter) em se tornar uma franquia e tenta resolver tudo rapidão num filme solo, ela funciona, e muito bem, dentro de um Kingverse, universo expandido do Ganhador do Troféu Golden, conectado com diversos elementos de outras obras. Essas referências vão muito além dos vários easter eggs espalhados (daquele que deixam os fãs do escritor em polvorosa), e criam uma verdadeira conexão com suas histórias, tendo o caso de Jake Chambers como o mais gritante, já que seu poder é o mesmo que um tal Danny Torrance demonstrou possuir durante sua estada em um certo hotel de veraneio no Colorado, apesar da comida de bola federal da legendagem em traduzir SHINE como TOQUE, apesar de descobrir depois que esse é o termo usado nos livros aqui em PT-BR, mas que ainda assim, a outra tradução funcionaria muito mais para fãs do Mestre do Terror no geral e que não leram a saga. O melhor é que nada disso parece oportunista e forçado, querendo surfar na onda do momento, como outros dois recentes universos do horror que pipocaram por aí nos últimos meses, uma vez que desde sempre, King trouxe em seus livros esses elementos de interconectividade narrativa, ligando personagens, locais e situações. E com a proximidade da estreia da primeira parte de It – A Coisa, é bem certo que esse universo referencial seja cada vez mais utilizado e conectado. Bem, como disse, não tenho autoridade para falar de A Torre Negra como adaptação das páginas para as telas, mas quanto filme, o que ele é de FATO, é uma diversão mediana, um blockbuster menor, com uma baita falha de ritmo e sem muitas pretensões, que pode agradar aquele que procura por uma sessão de cinema sem muita expectativa. O que também tá valendo, né?

3 balas calibre 45 para A Torre Negra

OS GUARDIÕES DA GALÁXIA VOL 2 (Guardians of the Galaxy Vol 2,EUA, 2017)

ALIANÇA DE AÇO (Union Pacific, EUA, 1939)

Direção: Cecil B. DeMille

Sinopse:

Cecil B. DeMille nos leva de volta ao ano 1860, então reconstrói a primeira ferrovia intercontinental, a Union Pacific. Um dos últimos feitos do Presidente Lincoln foi autorizar a expansão da Union Pacific para o oeste dos EUA. Um espetáculo real e histórico, que as vezes mescla as aventuras fictícias do inspetor ferroviário (McCrea), a bilheteira (Stanwyck), e o melhor amigo de McCrea, Preston. Infelizmente, Preston une-se a Donlevy, que está empenhado a destruir a ferrovia, em nome de um cartel de políticos corruptos. Durante um ataque indígena, McCrea e Preston lutam lado a lado para salvar Stanwyck, então o inspetor tenta convencer Preston, a tornar-se um homem honesto.

A VIDA E A PAIXÃO DE JESUS CRISTO (La vie et la passion de Jésus Christ, França, 1903)

Direção: Ferdinand Zecca, Lucien Nonguet

Sinopse:

Um dos mais importantes e pioneiros filmes sacros que retratam a vida, a morte e a ressurreição de Jesus. Tendo como influência as gravuras bíblicas de Gustave Doré, o diretor Ferdinand Zecca utiliza um sofisticado sistema de colorização na película, desenvolvido pela produtora francesa Pathé Frères. Lucien Nonguet também assina a direção do filme, que foi considerado um dos filmes mais longos para sua época.

O RIO DAS ALMAS PERDIDAS (River Of No Return, EUA, 1954

Direção: Jean Negulesco, Otto Preminger

Sinopse:

Em 1875, durante a corrida do ouro nos Estados Unidos, Matt Calder (Robert Mitchum), um ex-presidiário que recentemente saiu da cadeia, reencontra Mark Calder (Tommy Retting), seu jovem filho que nada sabe do seu passado. Com ele planeja se estabelecer como fazendeiro. Algum tempo depois os dois socorrem Kay Weston (Marilyn Monroe), uma cantora de saloon que conheciam, e Harry Weston (Rory Calhoun), seu namorado, quando tentavam atravessar um perigoso rio em uma balsa. Mas Harry está tão ansioso em registrar uma concessão de ouro que ele diz que ganhou em um jogo que fere Matt, que o salvou, pois quer um cavalo e uma arma a qualquer custo. Kay fica então no rancho cuidando de Matt e Mark, enquanto Harry vai embora sozinho, mas prometendo voltar. Entretanto, os índios chegam no local e os três são obrigados a fugir por um rio com perigosas corredeiras. Mas o rancheiro está determinado em chegar ao seu destino, para se vingar.

488 1968 2001, UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO (2001 A Space Odyssey)

487 1968 VERGONHA (Skammen)

486 1968 O BANDIDO DA LUZ VERMELHA (Brasil, ED. BRASILEIRA)

485 1968 PRIMAVERA PARA HITLER The Producers)

484 1968 MEMÓRIAS DO SUBDESENVOLVIMENTO (Memorias Del Subdesarrollo)