HOMICIDAL (1961)

005 1916 INTOLERÂNCIA (INTOLERANCE, EUA)

Direção: D. W. Griffith

Produção: D. W. Griffith

Roteiro: Tod Browning, D. W. Griffith

Fotografia: G. W. Bitzer, Karl Brown

Música: Joseph Carl Breil, Carl Davis, D. W. Griffith

Elenco:

Mae Marsh ………… A queridinha (história moderna)

Robert Harron …….. O garoto (história moderna)

F.A. Turner ………... O pai (história moderna)

Sam De Grasse ……Arthur Jenkins (história moderna)

Vera Lewis ………… Mary T. Jenkins (história moderna)

SINOPSE E COMENTÁRIO:

Talvez em parte como resposta àqueles que criticaram a política racial de O nascimento de uma nação (1915), D. W. Griffith mostrou-se igualmente preocupado em se posicionar contra a censura no cinema. Esse assunto foi abordado mais diretamente no panfleto publicado na época da exibição de Intolerância, chamado Ascensão e queda da Uberdade de expressão na América. A intenção de Griffith com este filme, finalizado nas semanas que se seguiram ao lançamento de sua produção épica anterior, é sobrepor quatro histórias de diferentes períodos que ilustrassem "as lutas do amor através dos tempos".

Estas incluem uma seleção de eventos da vida de Jesus; um relato sobre a Babilônia antiga, cujo rei é traído por aqueles que se ressentem do seu repúdio ao sectarismo religioso; a história do massacre dos protestantes franceses no dia de São Bartolomeu pelo rei Carlos IX sob o conselho traiçoeiro da própria mãe; e uma história moderna na qual um jovem, injustamente condenado pelo assassinato de um companheiro, é salvo no último instante pela intervenção de sua amada, que ganha o perdão do governante.

Esses episódios não são apresentados em série. Em vez disso, Griffith corta de um para outro e, muitas vezes, intercala seqüências plano a plano dentro dos próprios episódios, para criar suspense. Essa estrutura revolucionária se mostrou complexa demais para a maior parte do público da época, que também pode ter sido desencorajado pela duração de Intolerância (quase três horas). É possível que Griffith tenha investido até 2 milhões de dólares no projeto, porém o filme nunca chegou perto de recuperar seus custos, nem mesmo depois de remontado e lançado como dois filmes separados, A queda da Babilônia e A mãe e a lei. Não houve economia nas impressionantes recriações históricas. Os enormes cenários para a história babilônica, que permaneceriam um marco em Hollywood por anos a fio, contaram com 3 mil figurantes. Esses números da produção foram rivalizados pelos figurinos suntuosos e elaboradas seqüências de multidão no episódio francês. Embora os intertítulos tenham sido escritos por terceiros, o próprio Griffith foi responsável pelo complexo roteiro, no qual continuou a trabalhar durante a produção.

Seu grupo de atores de teatro obteve interpretações admiráveis em diversos papéis. Constance Talmadge se sai especialmente bem como a "Garota das Montanhas" apaixonada pelo malfadado príncipe Belsázar (Alfred Paget) na história babilônica, assim como Mae Marsh e Bobby Harron como os amantes reunidos no episódio moderno.

Como em O nascimento de uma nação, Griffith utiliza estruturas do melodrama vitoriano para afirmar suas convicções políticas. A intolerância é examinada através das lentes do amor trágico, o que empresta energia emocional e pathos às narrativas. Na história babilónica, Belsázar e sua amada Attarea (Seena Owen) preferem cometer suicídio a cair nas mãos do vitorioso Ciro, o Persa (George Siegmann), e, na história francesa, um jovem casal, ele católico e ela protestante, não consegue escapar do massacre.

Intolerância é um monumento ao talento de Griffith como roteirista, diretor, criador de planos e montador - uma obra-prima única, jamais igualada em termos de magnitude e dimensão. Feito para persuadir, este filme exerceu mais influência sobre o cinema revolucionário soviético de Sergei Eisenstein, entre outros, do que sobre os contemporâneos americanos de Griffith. RBP

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 005)

O NATAL DOS INSETOS (RUSSIA, 1913)

008 1920 INOCENTE PECADORA (WAY DOWN EAST, EUA)

Direção: D. W. Griffith

Roteiro: Anthony Paul Kelly, Joseph R Grismer, D. W. Griffith, baseado nas peças Way Down East, de Joseph Grismer e William A. Brady, e Amur Laurie, de Lottie Blair Parker

Elenco:

Lillian Gish …………… Anna Moore

Richard Barthelmess …….. David Bartlett

Lowell Sherman …………. Lennox Sanderson

Burr McIntosh ………….. Squire Bartlett

Kate Bruce …………….. A mãe Bartlett

Logo em seguida a O nascimento de uma nação (1915), um dos filmes mais rentáveis já produzidos, D. W. Griffith viu sua carreira entrar em decadência, principalmente por sua incapacidade de se adaptar aos desejos volúveis do público de cinema. Griffith se especializara em levar às telas o melodrama vitoriano, com suas histórias de inocência feminina ameaçada. Em 1920, porém, o público já começava a demonstrar menos interesse pelo resgate ou preservação da virtude. Portanto, foi uma surpresa que Griffith tenha decidido adaptar para o cinema a peça melodramática Way Down East, de Hugo e tenha  conseguido dar nova vida à história e transformá-la em um filme de grande sucesso.

Anna Moore (Lillian Gish) deixa sua pequena vila na Nova Inglaterra para morar com mais abastados em Boston. Lá, ela cai nos encantos de um jovem chamado Sanderson (Lowell Sherman), que a convence dormir cm ele depois de encenar um falso casamento. Ele então a envia de volta para a Nova Inglaterra, mandando a guardar segredo sobre as núpcias. Ao saber que está grávida, Anna entra em contato com Sanderson e descobre a triste verdade. Daí em diante as desgraças não param. A mãe dela morre. Seu filho também. Ela é expulsa da pensão onde mora, pois a senhoria suspeita que ela não é casada. Por sorte, consegue um emprego em uma fazenda próxima, cujo dono se chama Barlett (Burr Mclntosh), mas os Sandersons vivem perto de lá. Na fazenda, Anna conhece (Richard Barthelmess), filho do fazendeiro, e logo os dois se apaixonam. Porém o passado de Anna vem à tona e ela é despejada de seu emprego na fazenda. Vagando solitária por uma terrível nevasca, ela acaba num rio congelado, presa a um banco de gelo que corre em direção a enormes cataratas - mas é salva, no último instante por David. O mau caráter de Sanderson é revelado e Anna se reconcilia com o fazendeiro arrependido. O filme termina com o casamento dos dois. O ritmo dado por Griffith à narrativa c as atuações tocantes de um talentoso elenco sustentam a intensidade das partes dramáticas de Inocente pecadora. O final repleto de ação, no entanto, revela um diretor no seu auge, tanto na direção da seqüência (em parte filmada em um rio congelado de Vermont) quanto na montagem ágil e empolgante.

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 008)

WOLVERINE IMORTAL (EUA, 2013)

007 1919 LÍRIO PARTIDO (BROKEN BLOSSOMS, EUA)

Direção: D. W. Griffith

Roteiro: Thomas Burke, D. W. Griffith

Fotografia: G. W. Bitzer

Música: D. W. Griffith

Elenco:

Lillian Gish ……………. Lucy Burrows

Richard Barthelmess … Cheng Huan

Donald Crisp …………...Battling Burrows

Arthur Howard ………….Técnico

SINOPSE E COMENTÁRIO:

A reputação de Griffith nos estudos de cinema é, embora um pouco exagerada, totalmente irrepreensível. Sem dúvida, o cinema americano (e mundial) seria bem diferente sem as suas diversas contribuições. O nascimento de uma nação e intolerância são, justificadamente, seus filmes mais célebres, lembrados pelo extraordinário tratamento dado ao roteiro e à montagem. Porém outro de seus filmes, Lírio partido, de 1919, sempre se destacou como uma de suas melhores obras, sendo, com certeza, a mais bela de todas. Juntamente com Aves sem ninho, o glorioso veículo de William Beaudine para Mary Pickford, Lírio partido é um exemplo do que é conhecido em Hollywood como "estilo singelo". Este foi o ápice cm termos de glamour fotográfico: os fotógrafos usaram todos os recursos disponíveis - pó-de-arroz, aparelhos especiais de iluminação, lentes besuntadas de óleo, até imensas cortinas de gaze transparente presas ao teto do estúdio - para suavizar, realçar e acentuar a beleza de suas estrelas.

Em Lírio partido, a face da Imortal Lillian Gish literalmente resplandece com um brilho apaixonante e sobrenatural, ofuscando todos os demais elementos em cena. A beleza deste filme deve ser apreciada, pois ela é verdadeiramente formidável. Glsh e seu companheiro de cena, o excelente Richard Barthelmess, flanam atormentados por uma paisagem londrina definida por névoa, travessas iluminadas por luzes soturnas e enigmáticos cenários "orientalistas". A simples história de amor proibido do filme é perfeitamente complementada pela cenografia deslumbrante e misteriosa, concebida por Joseph Stringer. Lírio Partido é um filme único.A colaboração entre Gish e Griffith é uma das mais frutíferas do cinema americano: os dois também trabalharam juntos cm O nascimento de uma nação, Órfãos da tempestade

e Inocente pecadora, além de outras dezenas de curtas. Certamente, essa é uma parceria diretor-ator que se iguala às de Scorsese-De Niro, Kurosawa-Mifune e Leone-Eastwood,para citar algumas; na verdade, ela serve de modelo para julgar todas as outras. Griffith alcança um equilíbrio perfeito entre a banalidade do enredo e a exuberância maltrapilha da produção (a maior parte do filme se passa em casas de ópio e espeluncas do cais do porto). É preciso um diretor talentoso e confiante para manipular uma dicotomia forma/conteúdo como esta, e o que se vê aqui é Griffith no auge das suas habilidades. É a tensão entre o cotidiano e o extraordinário que conduz Lírio partido, garantindo seu lugar na história do cinema EDES

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 007)

006 1919 O GABINETE DO DR. CALIGARI (DAS KABINETT DES DOKTOR CALIGARI, Alemanha)

Direção: Robert Weine

Produção: Rudolf Meinen, Erich Pommer

Roteiro: Hans Janowitz, Carl Mayer

Fotografia: Wijly Hameister

Música: Alfredo Antonini, Giuseppe Becce, Timothy Brock, Richard Marriott, Peter Schirmann, Rainer

Viertlböck

Elenco:

Elenco:
Werner Krauss……...........................Dr. Caligari

Conrad Veidt…...........................……Cesare

Friedrich Feher……...........................Francis

Lil Dagover….....................................Jane

Hans Heinrich von Twardowski…….Alan

SINOPSE E COMENTÁRIO:

O gabinete do Dr. Caligari é a pedra angular de uma corrente de cinema fantástico e bizarro que surgiu na Alemanha na década de 20 e está ligada, de certa forma, ao movimento artístico expressionista. Se grande parte dos filmes produzidos nas primeiras décadas da mídia acompanhou o estilo "janela para o mundo" dos irmãos Lumière - com histórias ficcionais ou documentais apresentadas de maneira arrebatadora, no intuito de fazer com que os espectadores esqueçam que estão vendo um filme -, Caligari retorna ao método de Georges Méliès ao apresentar constantemente efeitos estilizados, mágicos e teatrais que exageram ou caricaturam a realidade.

Neste filme, policiais se empoleiram em bancos ridiculamente altos, sombras são pintadas nas paredes e nos rostos, formas pontiagudas predominam em todos os cenários, ambientes externos são claramente pintados e as telas de fundo e as interpretações são estilizadas ao ponto da histeria.

Na concepção dos roteiristas Carl Mayer e Hans Janowitz, o filme se passa em um mundo fora dos eixos e o diretor Robert Weine e os cenógrafos Hermann Warm, Walter Roehrig e Walter Rcimann distorcem cada cena e cada intertítulo para frisar isso.

Gerando controvérsia, Fritz Lang - que inicialmente fora escalado para a direção - afirmou que a platéia não conseguiria entender o estilo radical de Caligari sem uma espécie de "explicação". Lang bolou um enredo base em que o herói Francis (Friedrich Feher) conta a história - que envolve o sinistro hipnotizador charlatão Dr. Caligari (Werner Krauss), seu escravo sonâmbulo, o zumbificado Cesare (Conrad Veidt), e uma série de assassinatos na precária cidadezinha de Holstenwall - que revela, no fim do filme, um paciente de hospício que imagina a narrativa incorporando várias pessoas do seu convívio diário, num estilo O mágico de Oz. Isso enfraquece o tom antiautoritarista do filme, uma vez que se descobre que o Dr. Caligari, na história principal um diretor de hospício que enlouqueceu, é na verdade um homem bom,

decidido a ajudar o herói. No entanto, o hospício apresentado no enredo-base é exatamente o mesmo hospício "irreal" visto no flashback, o que torna o filme todo, não só a história entre parênteses de Francis, um tanto duvidoso. De fato, ao revelar que sua perspectiva expressionista é a de um louco, o filme poderia até agradar a conservadores que consideravam loucura toda a arte moderna.

Surpreendentemente, Weine, menos inovador do que a maioria dos seus colaboradores faz pouco uso da técnica cinematográfica, com exceção do flashback-dentro-doflshback em que Krauss é levado à loucura por instruções sobrepostas de que ele deve se tornar Caligari". O filme se baseia completamente em recursos teatrais, com a ira lixa no centro, mostrando o cenário e deixando os atores (especialmente Veidt) encarregados de todo movimento e impacto. A colaboração de Lang tornou o filme uma obra eclética: é ao mesmo tempo um filme de arte para platéias refinadas que apreciam suas inovações e um engenhoso filme de terror. Com uma atmosfera teatral, um cientista louco como vilão e um monstro vestindo malha que rapta mocinhas, o gabinete do Dr. Caligari é um importante precursor do gênero terror, introduzindo Imagens, temas, personagens e expressões que se tornaram essenciais para Drácula, de  Tod Bowning, e Frankenstein, de James Whale (ambos de 1931). K N

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 006)

#001 1920 O GABINETE DO DR. CALIGARI (Das Cabinet des Dr. Caligari, Alemanha)

Direção: Robert Wiene

Roteiro: Carl Mayer, Hans Janowitz

Produção: Rudolf Meinert, Erich Pommer

Elenco: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover

Apesar de, tecnicamente, O Castelo do Demônio de 1896, curta dirigido pelo visionário George Mélies nos primórdios do cinema ser considerado o primeiro filme de terror já feito, Thomas Edison já ter feito sua versão de Frankenstein em 1910, primeira adaptação do livro de Mary Shelley para as telas, e O Estudante de Praga ser considerado o primeiro longa com elementos de terror, é O Gabinete do Dr. Caligari a pedra fundamental do cinema de horror e do que seria visto no vindouro cinema fantástico alemão. Foi o filme que definiu muito da estética e da narrativa que seria empregada no gênero até os dias de hoje. Podemos dizer de uma forma grosseira que o tal Dr. Caligari foi o primeiro vilão maligno e manipulador do cinema, abrindo as portas para muitos outros cientistas e doutores loucos, por assim dizer. E fora todos os temas que o filme traz, que tornaram-se futuros clichês após quase 100 anos da produção: sonambulismo, assassinato, manipulação, trauma, sequestro, um assassino serial, reviravoltas no final e aquela dúvida sobre o que é sanidade e o que é loucura. Sim, tudo isso em um filme mudo de 1920! O longa começa com Francis, um jovem rapaz trazendo à tona durante uma conversa, a terrível experiência que viveu por decorrência da chegada do Dr. Caligari na feira anual de Hoistenwall. Em seu gabinete, Caligari apresenta ao público sua atração, um sonâmbulo chamado Cesare, interpretado por Conrad Veidt, enquanto uma série de assassinatos assola a cidade. Francis começa a investigar o famigerado doutor e seu sonâmbulo depois que seu melhor amigo é assassinado e sua amada, Jane é atacada, e aí a trama começa a se desenrolar até seu clímax impressionante. Tudo isso permeado por um clima soturno, característico do expressionismo alemão, cenários quase surreais como em um sonho, o exagero das expressões de horror e maquiagem carregada nos rostos pálidos que acentuam os olhares arregalados de pavor. Mas tirando toda a parte estética, a parte artística e cult do filme, o que mais liga na produção, pelo menos para mim, é a forma como é trabalhada a degradação psicológica do protagonista, até chegar ao seu final inesperado. Com o desenvolvimento da psicanálise e a publicação dos primeiros trabalhos de Freud e Jung, O Gabinete do Dr. Caligari traz o medo do subconsciente, o pavor de um sujeito que pode brincar com a nossa psique, um verdadeiro vilão famigerado que alimenta nossas neuroses em cada sombra ou cenário irregular, que pode controlar as mentes e usar seres humanos como fantoches, assim como faz com o pobre Cesare. Esse é o reflexo de uma Alemanha mutilada após a primeira guerra e uma metáfora ao desejo assassino incontestável de governos e soldados, algo que aquela nação viria a provar novamente anos mais tarde.

FONTE: http://101horrormovies.com/2012/11/05/1-o-gabinete-do-dr-caligari-1920-10/

GUROZUCA (JAPÃO, 2005)

003 1915 O NASCIMENTO DE UMA NAÇÃO (THE BIRTH OF A NATION, EUA)

Direção: D. W. Griffith

Produção: D. W. Griffith   Roteiro: Tod Browning, D. W. Griffith

Roteiro: Frank E. Woods, D. W.Griffith, baseado nos livros The ( kinsman: An Historical Romance of the Ku Klux Klan e The Leopard's Spots e na peça The Clansman, de Thomas F. Dixon Jr.

Fotografia: G. W. Bitzer, Karl Brown

Música: Joseph Carl Breil, Carl Davis, D. W. Griffith

Elenco:

Henry B. Walthall ………… Coronel Ben Cameron

Lillian Gish ………………... Elsie Stoneman

Mae Marsh …………………Flora Cameron

Miriam Cooper ……………. Margaret Cameron

Mary Alden ………………… Lydia Brown

Joseph Henabery ………….Abraham Lincoln

SINOPSE E COMENTÁRIO:

Ao mesmo tempo um dos mais reverenciados e repudiados filmes já feitos, O nascimento de uma nação, de D. W. Griffith, é Importante pelos mesmos motivos que inspiram essas duas reações opostas. Na verdade, raras vezes um filme mereceu com tanta justiça tamanho louvor e desprezo, o que, de várias formas, aumenta o valor dele não só nos anais do cinema, mas também como um artefato histórico fundamental (que alguns chamariam de relíquia).

Embora o filme seja baseado na peça explicitamente racista de Thomas Dixon The Clansman: An Histórica! Romance of the Ku Klux Klan, muitos relatos afirmam que Griffith era indiferente ao teor racista do tema central. O grau de cumplicidade do diretor ao veicular sua mensagem Infame é motivo de discussão há quase um século. No entanto, não há controvérsias quanto aos méritos técnicos e artísticos da obra. Griffith estava, como de costume, mais interessado nas possibilidades do meio do que na mensagem e, nesse âmbito, ele estabelece os padrões da Hollywood moderna.

O nascimento de uma nação foi, de forma muito clara, o primeiro épico histórico já feito, provando que, mesmo na era do cinema mudo, as platéias estavam dispostas a assistir a uma história de mais de três horas. Porém, com suas inúmeras inovações artísticas, Griffith essencialmente criou a linguagem cinematográfica contemporânea e, embora alguns elementos de O nascimento de uma nação possam parecer datados diante dos padrões atuais, praticamente todos os filmes lhe são devedores de alguma maneira.

Griffith introduziu o uso de doses dramáticos, travelings e outros significativos movimentos de câmera: ação paralela, alternância de seqüências e outras técnicas de montagem; e até mesmo a primeira trilha sonora orquestrada. É uma pena que todos esses elementos inovadores estivessem relacionados a uma história de valor tão duvidoso.

A primeira metade do filme começa antes da Guerra Civil, explicando a introdução da escravidão na América antes do início da ação. Duas famílias, os Stonemans, do Norte, e os Camerons, do Sul, são apresentadas. A história é contada através dessas (luas famílias e, muitas vezes, de seus criados, sintetizando os piores estereótipos raciais. À medida que a nação é dilacerada pela guerra, os escravos e os simpatizantes dos abolicionistas são vistos como a força destrutiva por trás de tudo.

O racismo do filme piora ainda mais na segunda metade, que se passa durante a reconstrução e retrata a ascensão da Ku Klux Klan, cujos membros são apresentados tomo os supostos heróis da película. O fato de Griffith ter introduzido uma história de amor no meio desta recriação de uma guerra racial é extremamente audacioso: uma escolha ao mesmo tempo emocionante e perturbadora.

O nascimento de uma nação é sem dúvida uma poderosa propaganda, muito embora sua mensagem política seja de revirar o estômago. Apenas a puritana Ku Klux Klan pode manter a unidade da nação, é o que o filme parece dizer, de modo que não é de surpreender que, mesmo na sua época, o filme tenha sido visto com indignação. Recebeu protestos da Associação Nacional para o Avanço das Pessoas de Cor (NAACP, na sigla em inglês), gerou manifestações e, posteriormente, forçou o próprio Griffith a responder às críticas com seu ainda mais ambicioso Intolerância (1916). Ainda assim, o fato de O nascimento de uma nação continuar sendo respeitado e estudado até os dias de hoje - apesar do seu tema - revela sua duradoura importância. J K L

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 003)

002 1903 O GRANDE ROUBO DO TREM (THE GREATTRAIN ROBBERY, EUA)

Direção: Edwin S. Porter

Roteiro: Scott Marble, Edwin S. Porter

Fotografia: Edwin S. Porter, Blair Smith

Elenco:

Gilbert M. Anderson …….. Tenderfoot Dancer

Justus D. Barnes …………Bandit

Walter Cameron ………… Delegado

A.C. Abadie ……………… Delegado

SINOPSE E COMENTÁRIO:

Hanaway, Morgan Jones, Tom London, Marie Murray, Mary Snow

O grande roubo do trem é amplamente considerado o primeiro faroeste já feito, iniciando o que se tornaria, dentro de poucos anos, o gênero mais popular de cinema nos Estados Unidos. Produzido pela Edison Company em novembro de 1903, O grande roubo do mm foi o filme mais bem-sucedido comercialmente do período pré-Griffith do cinema americano e gerou inúmeras imitações. O que torna o filme de Edwin S. Porter excepcional é seu grau de sofisticação narrativa, se levarmos em conta a época em que foi feito. Existem mais de uma dúzia de cenas distintas, cada qual aprofundando mais o enredo. Na cena inicial, dois assaltantes mascarados obrigam um telegrafista a enviar uma mensagem falsa para

que o trem faça uma parada imprevista. Os ladrões entram no vagão do correio e, depois de uma briga, abrem o cofre. Na próxima cena, dois assaltantes subjugam o maquinista e o foguista do trem e jogam um deles para fora. Em seguida eles param a locomotiva e rendem os passageiros. Um deles tenta fugir e leva um tiro. Então os assaltantes escapam a bordo da locomotiva e, na cena seguinte, os vemos montar em cavalos e fugir. Enquanto isso o telegrafista do trem envia uma mensagem pedindo ajuda.

Em um saloon, um recém-chegado é forçado a dançar sob uma saraivada de tiros, porém, quando a mensagem chega, todos pegam seus rifles e saem. Corte para o bando sendo perseguido por uma turba. Há um tiroteio e os assaltantes são mortos.

Existe um plano extra, o mais conhecido do filme, mostrando um dos ladrões atirando diretamente na tela. Ao que parece, esse plano algumas vezes era mostrado no começo da película e outras, no fim. De qualquer forma, dava ao espectador a impressão de estar bem na linha de fogo.

Um dos atores de O grande roubo do trem era G. M. Anderson (seu nome verdadeiro era Max Aronson). Entre outros papéis, ele interpretou o passageiro que leva um tiro. Anderson logo se tornaria o primeiro astro do faroeste, aparecendo como Bronco Billy em mais de 100 filmes a partir de 1907.

Anos mais tarde, houve quem contestasse a afirmação de que O grande roubo do trem fosse o primeiro faroeste já feito, alegando ou que não foi o primeiro, ou que não era um faroeste.

Sem dúvida houve filmes anteriores que faziam uso do tema, como Cripple Creek Bar-Room Scene (1899), de Thomas Edison, porém eles não possuem a unidade narrativa do filme de Porter. Pode-se afirmar também que suas raízes se encontram tanto em peças de teatro que possuíam cenas espetaculares em ferrovias como em outros filmes sobre roubos audaciosos que não pertenciam ao gênero. Tampouco se pode sustentar que ele seja um verdadeiro faroeste tendo por base suas locações

autênticas, uma vez que O grande roubo do trem foi filmado na ferrovia Delaware-Lackawanna, em Nova Jersey. No entanto, desde os tempos de Jesse James roubos de trem fazem parte da mitologia deste tipo de filme, e outros elementos simbólicos como revólveres de seis tiros, chapéus de caubói e cavalos dão ao filme uma genuína atmosfera de faroeste. EB

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 002)

001 1902 VIAGEM A LUA (LE VOYAGE DANS LA LUNE, França)

Direção: Georges Méllès

produção: Georges Méliès

Roteiro: Georges Méliès, baseado no livro Viagem à Lua, de Júlio Verne

fotografia: Michaut, Lucien Tainguy

Elenco:

Victor André; Bleuette Bernou, Brunnet, Jeanne d'Alcy, Henri Delanoy, Depierre, Farjaut, Kelm,

Georges Méliès.

SINOPSE E COMENTÁRIO:

Quando pensamos sobre Viagem à Lua, nossa mente é logo tomada pela idéia inicial e mítica de que, nos seus primórdios, o cinema era uma arte cujas "regras" eram estabelecidas durante o próprio processo de produção. Este filme francês foi lançado em 1902 e representa uma revolução para a época, dada sua duração (aproximadamente 14 minutos), se comparado aos mais comuns curtas-metragens de dois minutos produzidos no começo do século passado.

Viagem à Lua reflete diretamente a personalidade histriônica do seu diretor, Georges Méliès, cujo passado de ator de teatro e mágico influencia a produção do filme. A obra faz corajosas experiências com algumas das mais famosas técnicas cinematográficas, como superposições, fusões e práticas de montagem que seriam amplamente utilizadas no futuro. Apesar da simplicidade dos seus efeitos especiais, o filme costuma ser considerado o primeiro exemplo de cinema de ficção científica. Ele apresenta muitos elementos característicos do gênero - uma espaçonave, a descoberta de uma nova fronteira - e estabelece a maioria de suas convenções.

O filme começa com um congresso científico no qual o professor Barbenfouillis (interpretado pelo próprio Méliès) tenta convencer seus colegas a participarem de uma viagem de exploração à Lua. Assim que seu plano é aceito, a expedição é organizada e os cientistas são enviados ao satélite natural em uma espaçonave. A nave em forma de míssil aterrissa no olho direito da Lua, que é representada como um ser antropomórfico. Uma vez na superfície dela, os cientistas logo encontram habitantes hostis, os selenitas, que os levam ao seu rei. Depois de descobrirem que os inimigos somem em uma nuvem de fumaça ao simples toque de um guarda-chuva, os franceses conseguem escapar e retornar à Terra. Eles caem no oceano e exploram suas profundezas até serem finalmente resgatados e recebidos em Paris como heróis.

Aqui, Méliès cria um filme que merece um lugar de destaque entre os ícones da história do cinema mundial. Apesar do seu estilo surreal, Viagem à Lua é divertido e inovador, conseguindo combinar os truques do teatro com as infinitas possibilidades da mídia cinematográfica. Méliès, o mágico, era mais um maestro do que um diretor, também participando como roteirista, ator, produtor, cenógrafo, figurinista e fotógrafo, criando efeitos especiais que foram considerados espetaculares à época. Este primeiro filme de ficção científica é imperdível para aqueles interessados na origem das convenções que posteriormente influenciaram todo o gênero e seus mais famosos registros.

De modo mais geral, Viagem à Lua também pode ser considerado o filme que estabelece a principal diferença entre ficção e não-ficção cinematográfica. Em um tempo em que o cinema retratava, na maioria das vezes, a vida cotidiana (como nos filmes dos irmãos Lumière, no final do século XIX), Méllès conseguiu oferecer uma fantasia que almejava o entretenimento puro e simples. Ele abriu as portas para os cineastas do futuro expressando visualmente sua criatividade de maneira completamente alheia aos filmes da época. C Fe

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 001)

099 1936 A DAMA DAS CAMÉLIAS (CAMILLE, EUA)

Direção: George Cukor

Produção: David Lewis, Bernard H. Hyman

Roteiro: Zoe Akins, baseado no livro e na peça A dama das camélias, de Alexandre Dumas Filho.

Fotografia: William H. Daniels. Kail Freund

Música: Herbert Stothart, Edward Ward

Elenco:
Greta Garbo …………..Marguerite Gautier

Robert Taylor ……….. Armand Duval

Lionel Barrymore …….Monsieur Duval

Elizabeth Allan ………Nichette

Jessie Ralph …………Nanine

Henry Daniell ………. Barão de Varville

Indicação ao Oscar: Greta Garbo (atriz)

A dama das camélias, de George Cukor, é um dos triunfos do início do cinema sonoro, Uma vitrine para as atuações fabulosas dos protagonistas Greta Garbo e Robert Taylor, contando com o apoio dos habilidosos coadjuvantes do estúdio Lionel Barrymore e Henry Daniell. Cukor evoca na medida certa a Paris da metade do século XIX para tornar comovente  a estilização melodramática daquela que é, talvez, a mais famosa peça popular escrita, adaptada para o teatro por Alexandre Dumas Filho, a partir de seu sensacional romance. Com seus diálogos espirituosos e sugestivos, o roteiro dá vida aos personagens do escritor para uma plateia americana de outra era. Marguerite Gautier (Garbo), que é chamada de Camille por conta de sua paixão pelas camélias, é uma "cortesã" que se apaixona pelo seu "companheiro", Armand Duval (Taylor), herdeiro de uma família Influente. O relacionamento dos dois, que jamais seria ser legitimado por conta do passado duvidoso dela, precisa terminar, o que se dá em duas cenas famosas e adoradas por atrizes de todas as épocas. Primeiro, o pai de Armand convence Camille de que ela deve desistir de seu filho para que este possa seguir a carreira diplomática. Com o coração partido, ela rejeita Armand com a mentira de que não se interessa mais por ele. Armand volta mais tarde para descobri-la em seu leito de morte, no qual ela falece enquanto ele chora copiosamente. O Breen Oficce responsável pela aplicação do reacionário Código de Produção da época, também deve ter se sensibilizado com a história, exigindo o corte de apenas uma cena na qual o par romântico, tecnicamente "ilícito", troca juras de amor eterno. RBP

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 099)

HOUSE OF GOOD AND EVIL (EUA, 2013)

O ATAQUE DA MULHER DE 15 METROS (ATTACK OF THER 50FT. WOMAM, EUA, 1993)

Sinopse:
Nancy Archer é uma herdeira rica que ama seu marido Harry. Este só quer seu dinheiro e planeja sua morte para dividir com sua amante Honey Parker , certa noite dirigindo pelo deserto Nançy entra em contato com alienígenas e acaba sendo contaminada, se transformando numa mulher de 15 metros de altura e que não permitirá que Harry a engane mais.

Filme de 1958 com Allison Hayes

Remake de 1993 com Daryl Hannah

COMENTÁRIOS

Attack of the 50 Foot Woman foi lançado em 1958, na onda de outros filmes sobre seres com tamanhos diferentes como "The Amazing Colossal man" e "The Incredible Shrinking Man", que obtiveram muito sucesso e retorno nos cinemas, a produção obteve $ 88.000 de orçamento e um lucro estimado de $ 480.000.

O interessante é que o diretor Natan Juran, embaraçado pelo baixo orçamento e pela baixíssima qualidade dos efeitos do filme, insistiu que seu nome fosse "Natan Hertz" nos créditos, que é seu nome do meio.
O produtor Jacques Marquette contou que uma sequência chegou a ser escrita, mas o filme nunca foi produzido . Em meados dos anos de 1980, o cineasta Jim Wynorksi pretendia refilmar a história de 1958 com Sybil Danning no papel da protagonista. Wynorski chegou a tirar fotos de Danning vestida como a mulher de quinze metros de altura, mas, novamente, o projeto não foi materializado e Wynorksi acabou por optar pelo remake de "Not Of This Earth" em 1988.

Em 1993 a HBO finalmente lançou a refilmagem, Attack of the 50 Ft. Woman, dirigido por Christopher Guest com Daryl Hannah como protagonista.
Em 1995, Fred Olen Ray produziu a paródia Attack of the 60 foot Centerfold, com J.J.North e Tammy Parks.

O DIABO FEITO MULHER (EUA, 1952)

097 1936 IRENE, A TEIMOSA (MY MAN GODFREY, EUA)

Direção: Gregory La Cava

Produção: Gregory La Cava, Charles l Rogers

Roteiro: Eric Hatch, Morrie Rysklnd, baseado no livro de Eric Hatch

Fotografia: Ted Tetzlaff

Música: Charles Previn, Rudy Schrager

Elenco:

William Powell ……..Godfrey

Carole Lombard ……Irene Bullock

Alice Brady …………Angelica Bullock

Gail Patrick …………Cornelia Bullock

Eugene Pallette ……Alexander Bullock

Jean Dixon …………Molly

Indicação ao Oscar: Gregory La Cava (diretor), Eric Hatch, Morrie Rysklnd (roteiro), William Powell (ator),

Mischa Auer (ator coadjuvante), Carole Lombard (atriz), Alice Brady (atriz coadjuvante)I

Como um um dos mestres do género das sofisticadas comédias de salão, Gregory La Cava pode não ter tido a consciência social mais pulsante da Hollywood da década de 30. No entanto, o, seu talento para a sátira de cunho social e político fica claro em filmes como Gabriel over the White House (1933), She Married Her Boss (1935) e, principalmente, Irene, a Teimosa, sua obra mais notável. Produzido no fim da Depressão, este clássico das comédias escrachadas apresenta o mendigo Godfrey (William Powell) sendo contratado como mordomo, como parte de uma brincadeira feita por um grupo de figurões da Park Avenue. Alguns diálogos afiados depois, ele assume total controle da casa dos ricaços, encanta a bela Irene (Carole Lombard), revela que o amante Idiota da mãe (que é chamado  de "protegé" por conta do Código de Produção) é um vigarista e ajuda o pai rabujento a evitar a falência e uma prisão por fraude. Previsivelmente, a trama revela que o próprio Godfrey estava apenas se fazendo passar por mendigo quando o grupo de ricaços o encontrou para poder se casar com a socialite dos seus sonhos. No entanto, a essa altura a classe dominante já desfilou diante da câmera como um bando de idiotas narcisistas e infantis. Sem dúvida, esse foi um dos motivos do sucesso do filme entre as plateias da época. Irene, a teimosa perde pouco da sua acidez na segunda metade, quando os ingredientes de contos de fadas assumem o controle e terminam o filme com uma mensagem boba: o dinheiro não é tudo! Porém mesmo então ele consegue cativar através da pura Inteligência do seu roteiro espirituoso, escrito pelo romancista Eric Hatch em parceria com Morrie Riskind. Ele carrega a marca de um legítimo grande filme ao não ter uma só linha de diálogo ruim ou um personagem fraco que seja. Às vezes, o ritmo de La Cava é de uma velocidade impressionante, levando duelos verbais alucinados a quase todas as cenas e utilizando uma economia narrativa de forma tão natural que o filme poderia servir de protótipo para o cinema clássico de Hollywood. Embora tenha estreado quase 70 anos atas, Irene, a teimosa ainda se sustenta de forma notável e poderia facilmente ser refllmado para qualquer tipo de público. MT

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 097)

GRAVIDADE (EUA, 2013)

OPEN GRAVE (2013)

12 ANOS DE ESCRAVIDÃO (EUA, 2013)

A BRUXA DO SINO DA MORTE (2013)

THE HOBBIT II (2013)

CULT (JAPÃO, 2013)

BECO SEM SAÍDA (EUA, 1937)

645 1979 STALKER

#030 1933 O HOMEM INVISÍVEL (The Invisible Man, EUA)

Direção: James Whale

Roteiro: R.C. Sherriff (baseado na obra de H.G. Wells)

Produção: Carl Laemmle Jr.

Elenco: Claude Rains, Gloria Stuart, William Harrigan, Henry Travers

A Universal ataca mais uma vez com outro de seus monstros clássicos do cinema, em O Homem Invisível, baseado no livro de H.G. Wells, depois do sucesso de Drácula, Frankenstein e A Múmia. E como em time que está ganhando, não se mexe, Carl Laemmle Jr. novamente recruta o diretor James Whale para comandar o longa. Whale parece ter sido a escolha mais certa dentre todas as possíveis, pois só ele seria capaz de imprimir o ritmo necessário para o longa, misturando terror e comédia com perfeição, dando asas para a construção de um personagem vil, presunçoso e cruel, que por mais que tenha sido resultado de uma desastrosa e mal sucedida experiência, deixa de lado os tormentos característicos de um personagem como esse, para abraçar a vilania e a obsessão, e se divertir horrores com isso. Além do mais, O Homem Invisível é um desbunde de utilização de efeitos especiais, criados por John P. Fulton, John J. Mescall e Frank D. Williams. Completamente inovador e impressionante para a época. Tanto que quase 80 anos após seu lançamento, ele continua sendo um filme extremamente atual e ao contrário de muitas produções da mesma época, não parecendo tão envelhecido e datado. O longa utiliza técnicas de trucagem e sobreposição, além de fios para puxar as roupas de Claude Rains, ou mesmo uma técnica avó do chroma key, em cenas que o ator usa um veludo negro em um fundo escuro. Um dublê substituiu Rains em algumas cenas e para as outras onde apenas o corpo aparece, sem a cabeça, foi usada uma máscara especialmente preparada, com o filme sendo tratado em laboratório para complementar o efeito visual. Fora que Claude Rains dá um verdadeiro show de interpretação em sua estreia no cinema, com todo seu desvio de caráter, voz sinistra e insanidade como Jack Griffin, o brilhante cientista que desenvolveu um experimento capaz de transformá-lo em invisível. Só que por conter duocaína (oi????) em sua fórmula, ele acabou tornando-se um violento e agressivo sociopata. Detalhe que o papel original foi oferecido para Boris Karloff, que recusou todas as três tentativas de Laemmle em enfiar o papel nele, por tentar diminuir o seu salário. O ataque psicótico de Griffin vem a tona quando ele tenta se hospedar em uma estalagem em um vilarejo simples, a fim de ficar sozinho e confinado para tentar descobrir a cura. Usando apenas bandagens para cobrir o rosto, óculos escuros, um nariz falso e um pesado sobretudo com luvas e chapéu, constantemente ele é atormentado pela enxerida esposa do estalajadeiro, até que ele surta de vez e começa a tocar o terror nos moradores e causar um verdadeiro salseiro com a polícia, que não consegue de forma alguma, descobrir um meio de capturar o bandido. O ponto de equilíbrio da humanidade de Griffin é sua namorada, Flora, interpretada pela velha maracujá de gaveta de Titanic, Gloria Stuart (aqui com 23 aninhos). Ela até tenta demover o homem invisível de seus planos megalomaníacos de conquistar o mundo e conseguir poder e riqueza com sua fórmula, mas de nada da certo, principalmente quando seu antigo parceiro Dr. Kemp, um baita de um talarico que quer ficar com sua garota quando ele some (literalmente…), resolve dedá-lo para as autoridades e ele é obrigado a fugir, arquitetando um plano de vingança contra o outrora aliado. Além de ser um clássico, diferente de outros filmes da época, O Homem Invisível tem um ritmo bem mais agitado e é realmente intrigante. Whale consegue capturar muito bem a atenção do espectador, seja com as maldades praticadas por Griffin, seja pelas cenas cômicas da polícia patética tentando capturá-lo enquanto ele se diverte ludibriando os gambés, ou nas cenas com a hilária atriz Una O’Connor (que lembra muito aquela atriz brasileira que tem aquele bordão “Ó, Coitado”), que faz a exagerada e caricata dona da estalagem. É um bom filme para aqueles que estão começando a querer entrar no mundo dos filmes clássicos de monstro da Universal, e um deleite para os já fãs do gênero.

FONTE: http://101horrormovies.com/

371 1961 A FACE OCULTA (One-Eyed Jacks, EUA)

BLUE JASMINE (EUA, 2013)

196 1946 GILDA (GILDA, EUA)

Direção: Charles Vidor

Produção: Virginia Van Upp

Roteiro: Jo Eisinger, E. A. Ellington

Fotografia: Rudolph Maté

Música: Doris Fisher, Allan Roberts, Hugo Friedhofer

Elenco:

Rita Hayworth ………Gilda Mundson Farrell

Glenn Ford ………….Johnny Farrell / Narrador

George Macready …. Ballin Mundson

Joseph Calleia ……...Detetive Maurice Obregon

Steven Geray ……….Tio Pio

Joe Sawyer ………….Casey

Ainda: Gerald Mein, Robert E. Scott, Ludwig Donath, Donald Douglas.

"As estatísticas mostram que existem mais mulheres no mundo do que qualquer outra coisa", dispara o herói cínico Johnny Farrell (Glenn Ford), acrescentando, com peculiar aversão, "exceto insetos!" Ainda assim, essa misoginia coexiste, no filme de Charles Vidor, com a própria - e bela - Gilda (Rita Hayworth). Uma personagem que é ao mesmo tempo completamente apática e dona de uma Ironia magistral, cuja canção-assinatura "Put the Blame on Mame" - ao som da qual ela faz um strip-tease extraordinariamente sensual envolvendo a retirada apenas das suas luvas de veludo que vão até os cotovelos - é uma exposição mordaz de como as mulheres são responsabilizadas pela destruição causada por homens que ficam obcecados por elas. Johnny, um jogador durão que parece ligeiramente desconfortável no seu smoking, torna-se o gerente de um cassino em Buenos Aires, trabalhando para Ballin Mundson (George Macready), um magnata inexpressivo que carrega uma bengala que é na verdade uma espada, espia seus clientes e sócios através de uma sala de controle na casa de jogos e é o vértice de um triângulo amoroso que impulsiona a trama. Ford e Hayworth, ambos atores limitados, porém cativantes e fotogênicos, têm atuações definitivas arrancadas deles como dentes, e Macready se diverte como o complexo vilão. Como afirmam os cartazes: "Nunca houve uma mulher como Gilda!" KN

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 196)