042 1928 CAPITÃO BILL JR Steamboat Bill, Jr

037 1927 O CAÇULA

041 1928 A PAIXÃO DE JOANA D'ARC

038 1928 THE CROWD A Turba

039 1928 THE DOCS OF NEW YORK (EUA, docas de Nova York)

QUANDO EU ERA VIVO (Brasil, 2014)

MUPPETS 2 (EUA, 2014)

TRANSCENDENCE (EUA, 2014)

040 1929 UM CÃO ANDALUZ

O TEOREMA ZERO (2014)

NÃO SOMOS ANJOS (EUA,1955)

534 1971 OPERAÇÃO FRANÇA

ARQUIVO X I WANT TO BELIEVE (EUA, 2008)

STAR CRASH (SCONTRI STELLARI, Itália, 1979)

Sinopse: 

Épico de ficção científica às margens do sucesso de Star Wars a respeito da batalha de um Imperador contra a ira de um Conde que sequestrou seu filho e quer dominar a Galáxia.

País: Itália

Idioma: Inglês

Produção: 

Roger Corman

Direção: 

Luigi Cozzi

Elenco:

Christopher Plummer, 

Caroline Munro, 

Marjoe Gortner, 

David Hasselhoff, 

Joe Spinell

Comentários site Boca do Inferno:

Vasculhando as profundezas obscuras de minha sofisticada cultura de fungos (também conhecida como "minha coleção de fitas VHS"), encontrei Star Crash, uma impagável pérola esquecida de 1979. Ficção trash rodada na Itália e sem nenhum escrúpulo, o filme veio na cola quase que imediatamente de Star Wars, que George Lucas havia dirigido menos de dois anos antes, revolucionando o cinema de aventura e ficção científica e arrecadando milhões. Seu congênere, por outro lado, dispôs de um orçamento pra lá de modesto e, por isso, tudo o que conseguiu em seus 92 minutos de oportunismo bruto, foi criar um dos mais hilariantes e descarados plágios de que se tem notícia. E o que o torna ainda mais engraçado é o fato de se levar a sério.

A galáxia (o filme não especifica qual, mas supomos que seja a nossa) passa por um momento turbulento, com a crescente dominação do Conde Zarth Arn (Joe Spinell, de uma canastrice irretocável), que pretende derrotar o Imperador (Christopher Plummer, levando a coisa a sério) para assegurar seu total domínio e estender a Liga dos Mundos Obscuros para o restante do universo. Para impedir o avanço cada vez mais rápido do Conde e resgatar seu filho desaparecido, Simon (David Hasselhoff, aquele cara que estrelava o seriado A Super Máquina), o Imperador decide contratar os serviços de dois foras da lei espaciais: Stella Star (Caroline Munro, mais bela do que nunca) e Akton (Marjoe Gortner, mais songo mongo do que nunca). Resta a eles descobrir o esconderijo do Conde e sua arma secreta e devolver o equilíbrio galáctico para o bem do universo.

ARQUIVO X 9ª TEMPORADA

035 1927 O CANTOR DE JAZZ (THE JAZZ SINGER, EUA)

Direção: Alan Crosland

Roteiro: Alfred A. Cohn, Jackjarmuth

Fotografia: Hal Mohr

Música: Ernie Erdman, James V. Monaco, Louis Silvers, Irving Berlin

Elenco: Al Jolson, May McAvoy,Wliner Oland, Eugenie Besserer, Otto Lederer, Bobby Cordon, Richard Tucker, Cantor Joseff Rosenblatt

Oscar: Alfred A. Cohn, Jack Jarmuth (prémio especial pelo pioneirismo no cinema falado)

Indicação ao Oscar: Alfred A. Cohn (roteiro)

Na história do cinema, alguns filmes foram alvo de uma atenção especial, se não por sua estética, certamente pelo seu papel no desenvolvimento da arte cinematográfica como nós a conhecemos. O cantor de jazz, de Alan Crosland, é sem dúvida uma das obras que marcaram a trajetória dos filmes tanto como forma de arte quanto como uma indústria lucrativa. Lançado cm 1927 pela Warner Brothers e estrelado por Al Jolson, um dos mais famosos cantores da sua época, O cantor de jazz é considerado, por unanimidade, o primeiro longa-metragem sonoro. Embora se limite a números musicais e aos poucos diálogos que antecedem e se seguem a eles, o uso do som introduziu mudanças inovadoras na indústria, destinadas a revolucionar Hollywood como praticamente nenhum outro filme conseguiu fazê-lo. Com sua mistura de vaudeville e melodrama, a trama é relativamente simples. O adolescente Jakie (Jolson) é o único filho do devoto solista de sinagoga Rabinowitz (Warner Oland), que o encoraja a seguir o mesmo caminho de gerações de solistas na família. Embora profundamente influenciado por suas raízes judaicas, a paixão de Jakie é o jazz e ele sonha com uma plateia inspirada pela sua voz. Quando um amigo da família conta a Rabinowitz ter visto Jakie cantando em um café, o pai castiga o filho num acesso de fúria, fazendo-o fugir de casa e de sua inconsolável mãe Sara (Eugénie Besserer). Anos depois, Jakie, também conhecido comojack Robin, volta como um consagrado cantor de jazz em busca de reconciliação. Ao encontrar o pai ainda irascível e doente, Jack é forçado a decidir entre sua carreira e sua identidade judaica. Um marco que representa um passo decisivo em direção a um novo tipo de cinema e um novo tipo de entretenimento, O cantor de jazz é mais do que o primeiro filme falado. Conforme afirmou o renomado cientista político Michael Rogin, o filme pode ser visto como um típico exemplo da transformação dos judeus na sociedade americana: sua assimilação racial pela América branca, sua conversão religiosa a um dogma espiritual menos rígido e sua empreendedora integração à indústria cinematográfica americana durante a época da chegada do som.

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 035)

206 1948 RIO VERMELHO (RED RIVER, EUA)

Director Howard Hawks, Arthur Rosson

Produção: Charles K. Feldman, Howard Hawks

Roteiro: Borden Chase, Charles Sliner

Fotografia: Russell Harlan

Música: Dimitri Tiomkin

Elenco:

John Wayne ……...Thomas Dunson

Montgomery Clift …Matthew ‘Matt’ Garth

Joanne Dru ………Tess Millay

Walter Brennan …..Groot’ Nadine

Harry Carey ………Sr. Melville

Harry Carey Jr. ……Dan Latimer

Ainda: Paul Fix, Hank, Worden, Mickey Kuhn, Ray Hyke, Willv Wales

Oscar: Borden Chase (Roteiro), Christian Nyby (edição)

Uma refilmagem em forma de faroeste de O grande motim (1935), este é um filme consideravelmente mais profundo do que o original, apresentando a relação entre Bligli e Christian em termos de um conflito pai/filho. O astro John Wayne - um dos mais bonitos protagonistas masculinos da década de 30, interpretando um personagem mais velho do que ele próprio com uma aspereza autêntica e circunspecta - é contrastado de forma interessante por Hawks com o fotogênico Montgomery Clift, a síntese do tipo de neurose sensível e masculina que entraria em moda na década seguinte. Depois de um longo prólogo que se passa durante as consequências de um ataque de índios em 1851, no qual vemos o empobrecido Tom Dunson (Wayne) e o órfão Matthew Garth (Clift) juntarem seus rebanhos para formar um império do gado, somos apresentados à Red River D - como o personagem de Wayne chama sua propriedade – na depressão econômica pós-Guerra Civil. Conduzindo um rebanho até o Missouri, o inflexível Dunson se torna cada vez mais tirânico, levando Matt a se rebelar e conduzir a boiada para o Oeste através de uma rota mais segura até Abilene. Dunson admira a coragem do rapaz, mas, ainda assim, jura ira seu encalço para matá-lo, o que leva a um clímax que é dos mais emotivos do gênero, no qual dois homens que se amam duelam em meio ao gado nas ruas de Abilene. Hawks, o grande cronista das sagas masculinas do cinema, encena aqui a ópera de caubóis definitiva, ofuscando todos os outros faroestes de condução de gado com sequências belas, líricas e empolgantes de estouro de boiada, clima árido, vaquejadas e conflitos com os índios. Os protagonistas estão no auge, com Wayne surpreendentemente rivalizando Clift em termos de sutileza. Temos ainda coadjuvantes excelentes, como Walter Brennan como o tolo desdentado; John Ireland como um pistoleiro magricela; Joanne Dru como a garota pioneira que é capaz de levar uma flechada no ombro quase sem cambalear. Embora seja conhecido por seus faroestes, Hawks fez, surpreendentemente, poucos filmes do gênero. Este parece ser um tributo carinhoso a John Ford, realizado com uma certa atitude de também-posso-fazer-isso, uma vez que Hawks escalou vários membros da trupe do colega; Harry Carey e Harry Carey Jr., Hank Worden e até o próprio Wayne. O diretor usa uma abordagem fordiana dos esplendores perigosos da paisagem do Oeste, assim como uma trilha à Ford de Dimitri Tiomkin, baseada em canções folclóricas. KN

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 206)

ARQUIVO X 8ª TEMPORADA

034 1927 OUTUBRO (OKTYABR, URSS)

Direção: Grigori Aleksandrov, Seigei M. Eisenstein

Roteiro: Grigori Aleksandrov, Sergei M. Eisenstein

Fotografia: Vladimir Nilsen, Vladimir Popov, Eduard Tisse

Música: Alfredo Antonini, Edimund Meisel

Elenco:

Vladimir Popov ……Aleksandr Kerensky

Vasili Nikandrov …..V.I. Lenin

Layaschenko ………Konovalov

Chibisov ……………Skobolev

Boris Livanov ………Terestsenko

Mikholyev …………..Kishkin

Ainda: N. Podvoisky, Smelsky, Eduard Tisse

Em 1926, Sergei M. Eisenstein foi para a Alemanha apresentar seu novo filme, O encouraçado Potemkin. Partiu como um promissor jovem cineasta, mas retornou como um superastro da cultura internacional. Uma série de importantes produções cinematográficas estava sendo planejada para a comemoração do 10º aniversário da vitória bolchevique. Eisenstein aceitou avidamente o desafio de apresentar na tela o processo revolucionário na Rússia - ou seja, de que forma o país passou do "governo provisório" de Aleksandr Kerensky, instaurado após a abdicação do czar, para as primeiras vitórias de Lênin e seus seguidores. Não foram poupados gastos. Imensas cenas de multidão foram organizadas e o tráfego da cidade foi desviado para que Eisenstein pudesse filmar nos exatos locais em que os incidentes retratados ocorreram. Ao contrário do que se pensa, o filme não contém um só metro de cenas documentais. Cada tomada foi uma reconstituição. Trabalhando de modo febril, Eisenstein concluiu o filme bem a tempo para as festividades de aniversário, porém as reações, oficiais ou não, não foram de entusiasmo. Muitos consideraram o filme confuso e difícil de acompanhar. Outros se perguntaram por que o papel de Lênin foi tão reduzido (o ator que o interpreta, Vasili Nikandrov, aparece poucas vezes na tela). Muitos dos críticos que apoiaram Potemkin sugeriram que Eisenstein voltasse para a sala de edição e continuasse trabalhando. É inegável que Outubro seja uma obra-prima de algum tipo, porém descobrir qual é esse tipo é um verdadeiro desafio. Como ferramenta didática, uma maneira de "explicar" a revolução para as massas do país e do exterior, o filme é simplesmente ineficaz. Para muitos espectadores, suportar a projeção é um verdadeiro suplício. As caracterizações são todas simplórias e qualquer pessoa com o mais rudimentar conhecimento histórico as reconhece como uma grosseira propaganda. Ainda assim, a característica mais poderosa e comovente de Outubro talvez seja simplesmente o nível da sua ambição. Sergei M. Eisenstein foi sem dúvida a mais notável personalidade dos primeiros 50 anos de existência do

cinema, sendo absurdamente erudito e dono de uma crença ilimitada no potencial da arte cinematográfica. No auge do seu delírio, Eisenstein imaginou que o cinema poderia representar um "raciocínio visual" - não se limitando aos argumentos, mas envolvendo o processo através do qual a mente os constrói. As imagens fotográficas, a matéria-prima do cinema, tinham de ser "neutralizadas" em sensações e estímulos para que um filme pudesse revelar conceitos e não só pessoas ou coisas. O verdadeiro motor que impulsionaria a máquina do cinema como Eisenstein a via era a montagem, a edição: a interação "mística" que ocorre quando dois pedaços distintos de filme são juntados. Outubro é o mais puro e convincente exemplo da teoria e prática cinematográfica de Eisenstein. Ele possui várias sequências absolutamente emocionantes: a derrubada da estátua do czar, a construção da ponte e, especialmente, a muitas vezes citada sequência "Por Deus e pela Pátria". Provas do frio engenheiro que Eisenstein se treinou originalmente para ser podem ser encontradas na Intensa complexidade da montagem. Entretanto, correndo sob a superfície do filme, pode-se sentir o ímpeto - e o toque de loucura - de um artista às portas do que ele acreditava ser um admirável mundo novo. RP

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 034)

033 1927 O MONSTRO DO CIRCO (THE UNKNOWN, EUA)

Direção: Tod Browning

Roteiro: Tod Browning, Waldemar Young

Fotografia: Merritt B. Cerstad

Elenco:

Lon Chaney ……Alonzo, o homem sem braços

Norman Kerry .…Malabar, o poderoso

Joan Crawford …Nanon Zanzi

Nick De Ruiz …...Antonio Zanzi, pai de Nanon

John George ……Cojo, assistente de Alonzo

Frank Lanning …Costra

Ainda: Polly Moran

Embora mais conhecido por ter dirigido Bela Lugosi em Drácula, o clássico de terror da Universal de 1931, e famoso pelo bizarro Monstros (1932), o maior filme de Tod Browning – um artista de circo que se tornou cineasta - é O monstro do circo. A obra é um subestimado tesouro da era muda, estrelado pelo ator preferido (e mais famoso) do roterista/escritor, o chamado "Homem de Mil Rostos", Lon Chaney. Conhecido e altamente admirado pela dor física que suportava com regularidade ao interpretar vilões ou anti-herois fisicamente incapacitados, Chaney se supera como Alonzo, um criminoso com um dedo extra em uma das mãos que tenta evitar ser capturado fingindo ser um atirador de facas sem braços em um circo itinerante de ciganos. A armação, a princípio, tem um benefício extra, uma vez que Nanon (Joan Crawford em um dos seus primeiros papéis), a bela assistente de Alonzo, não suporta .In.içada por homens - especialmente pelo principal rival de Alonzo na disputa por seu amor, o brutamontes levantador de pesos Malabar, o Poderoso (Norman Kerry). Quando o pai de Nanon vê os braços dele acidentalmente, Alonzo o assassina para manter seu segredo. Enquanto isso, Nanon consegue ver o polegar duplo do assassino, mas não seu rosto. Obcecado pela mulher e atormentado pela possibilidade de ela acabar descobrindo sua verdadeira identidade, Alonzo ignora as objeções de Cojo (John George), seu assistente anão, e faz uma cirurgia para amputar os braços. No entanto, em uma das mais deliciosas e perturbadoras ironias de O monstro do circo, quando Alonzo retorna ao circo depois de uma longa convalescença, ele descobre que Nanon superou sua fobia de ser abraçada e se apaixonou por Malabar. Buscando justiça poética (ou mera vingança) por essa cruel virada do destino, Alonzo tenta sabotar o novo número de Malabar – no qual o brutamontes amarra os próprios braços a um par de cavalos que puxam cm direções opostas - para que seu rival também fique desmembrado. Contudo, seu plano é frustrado no último instante e o próprio Alonzo morre ao salvar Nanon de ser pisoteada por um dos cavalos. Extraindo uma extraordinária e assustadora interpretação de Chaney, enchendo a trama de viradas surpreendentes e personagens inesquecíveis, Browning cria uma arrepiante obra-prima do drama psicológico (e psicossexual). Nas palavras de Michael Koller: "O monstro do circo é um filme verdadeiramente horripilante que nos conduz aos mais sombrios recônditos da psique humana." SJS

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 033)

#012 1927 O MONSTRO DO CIRCO (The Unknown, EUA)

Direção: Tod Browning

Roteiro: Tod Browning

Elenco: Lon Chaney, Norman Kerry, Joan Crawford, Nick de Ruiz, John George

Dois grandes nomes do cinema de terror se encontram em O Monstro do Circo: Tod Browning, que mais tarde viria a dirigir os clássicos Drácula e Monstros, e Lon Chaney, o Homem das Mil Faces, estrela de O Corcunda de Notre Dame e O Fantasma da Ópera. E assim como em Monstros, Browning mais uma vez utiliza o universo do circo como pano de fundo para suas bizarrices. Em uma das suas mais importantes e marcantes interpretações no cinema, Chaney faz o papel de Alonzo, um exímio atirador de facas em uma trupe circense, que é conhecido como “Homem Sem Braços”, exatamente por não possuir os membros, e utilizar os pés em seus números, onde arremessa as facas e até utiliza armas de fogo, tendo a bela Nanon (Joan Crawford) como ajudante de palco. Acontece que Nanon é a cigana filha de Antonio, dono do circo, e por quem Alozono tem uma paixão escancarada, não correspondida. O detalhe é que Nanon tem uma espécie de fobia ao toque masculino, e simplesmente não suporta mãos masculinas e repele todos os caras que tentam tocá-la, colocando Alonzo como um dos mais bem sucedidos pretendentes ao coração da moça. Só que Alonzo tem concorrência de Malabar, o homem mais forte do circo, que também a ama e tenta de qualquer forma conquistá-la. Só que na verdade, o que ninguém sabe é que Alonzo é um vigarista, ex-criminoso que possui sim os braços, e utiliza aquele disfarce apenas para fugir da polícia. O único que sabe da verdade é seu anão comparsa, Cojo. Para piorar, quando Antonio vê o sem-braço dando em cima da sua filha, ele lhe dá uma surra, e como revide, Alonzo mata-o estrangulado, e aí descobre-se que além de ter os braços, o bandido também tem dois dedões, e isso facilmente o entregaria, já que Nanon é testemunha ocular do assassinato do pai, porém sem conseguir ver claramente quem foi o assassino. Para não ser identificado e para evitar que seu embuste seja descoberto ao pedir a mão da garota em casamento, Alonzo tem a mais brilhante ideia da história do cinema (só que não!): resolve fazer uma cirurgia para cortar os próprios braços. Gênio! Só que como uma boa mulher que não sabe o que quer, adivinhe se Nanon não começa a se engraçar com o fortão Malabar? Ela perde seu medo irracional e aceita se casar com ele. Ou seja, o tonto do Alonzo, por um rabo de saia arrancou os próprios braços e Nanon na maior trairagem resolve ficar com o outro cara. É muito azar. Ou estupidez. Mas claro que o criminoso não vai deixar isso barato e querer se vingar de Malabar, elaborando um plano para que ele seja morto durante um novo espetáculo com cavalos que eles estão preparando. Além do filme ser bastante divertido, e com a direção de Browning segura e eficaz, em seu auge criativo, o que mais marca O Monstro do Circo é a atuação de Chaney, que imprime uma grande carga dramática, utilizando de suas expressões faciaIs para transmitir seus sentimentos (sempre lembrando que é um filme mudo), principalmente quando descobre que foi trocado após ter perdido os braços à toa, em uma cena que chega a ser realmente trágica e comovente. O ator Burt Lancaster aponta a interpretação de Chaney nessa fita como a mais convincente de toda a história do cinema! E no final das contas, mesmo com todas as decisões extremas e exageradas, o personagem de Chaney é movido por um amor cego, até obsessivo, mas que não mede esforços para conseguir aquilo que quer. Mesmo colocando assassinato nessa conta. Outro fator positivo de O Monstro do Circo é a participação de Paul Demuske, ator que não possuía braços na vida real, e foi o dublê de pernas e pés de Chaney, utilizado nas cenas de lançamento de facas, ou quando Alonzo fumava um cigarro, em tomadas onde o ator era focalizado apenas da cintura para cima. Um dos melhores filmes de Browning e Chaney, parceria que poderia ter se repetido em Drácula três anos depois, se o Homem das Mil Faces não tivesse morrido de forma precoce, abrindo espaço para Bela Lugosi pegar o papel.

FONTE: http://101horrormovies.com/2012/11/13/12-o-monstro-do-circo-1927/

032 1927 A GENERAL (THE GENERAL, EUA)

Direção: Clyde Bruckman, Buster Keaton

Produção: Buster Keaton, Joseph M. Schenck

Roteiro: Al Boasberg, Clyde Bruckman

Fotografia: Bert Haines, Devereaux Jennings

Música: Robert Israel, William P. Perry

Elenco:

Buster Keaton …………Johnny Gray

Charles Henry Smith …Sr. Lee

Marion Mack ……………Annabelle Lee

Glen Cavender ………..Capitão Anderson

Jim Farley …………….. General Thatcher

Frederick Vroom ………Um General do Sul

Ainda: Richard Allen, Joe Keaton, Mike Donlin, Tom Nawn

Keaton fez vários filmes - Nossa hospitalidade (1923), Sherlock Jr. (1924), Marinheiro de encomenda (1928) - que podem ser incluídos entre os melhores (e mais engraçados) de toda a produção cômica do cinema, porém nenhum deles é mais forte candidato ao primeiro lugar do que esta obra-prima atemporal. Isso não se dá apenas pelo fluxo constante de ótimas gags, tampouco pela maneira como elas derivam totalmente das situações e do personagem, em vez de existirem isoladas da trama do filme. Em vez disso, o que torna A general tão extraordinário é o fato de ele ser superlativo em todos os aspectos: em termos de humor, suspense, reconstituição histórica, estudo de personagens, beleza visual e precisão técnica. Pode-se argumentar que ele chega mais perto da total perfeição do que qualquer outro filme já feito, seja ele comédia ou não. Boa parte desse prazer vem da própria narrativa, inspirada em um livro sobre as proezas reais de um grupo de soldados do Norte que, durante a Guerra Civil, se disfarçaram de sulistas para roubar um trem, que conduziram ao Norte para se reunirem aos seus camaradas unionistas até serem capturados e executados. Já que estava fazendo uma comédia, Keaton deixou de fora as execuções e mudou a perspectiva heroica para a de um sulista, Johnny Gray, um maquinista que, de forma estoica, se não algo absurda, decide perseguir sozinho os espiões unionistas quando eles roubam sua locomotiva - "A General" - e, dentro dela, Annabelle Lee (Marion Mack), o outro amor de sua vida. A primeira metade do filme acompanha a rejeição de Johnny pelo Exército e sua caça à locomotiva, que ele recupera além das linhas inimigas; a segunda metade retrata sua fuga (com Annabelle) das tropas da União até sua cidade natal, onde - depois de entregar a garota, a General e um legítimo general do Exército do Norte que trouxe consigo por acaso - é aclamado como herói. Esse enredo de elegante simetria, além de admirável em sua forma, é a fonte do suspense e das gags; porém a viagem também confere ao filme um tom épico que, aliado à costumeira atenção aos detalhes históricos de Keaton, o transforma, talvez, no melhor filme sobre a Guerra Civil já feito. Por fim, há o Johnny de Buster: sisudo, porém belo em sua determinação corajosa e ligeiramente ridícula - que é o ápice desta obra-prima ao mesmo tempo séria e cômica -, e o herói mais humano que o cinema já nos ofereceu. CA

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 032)

O INOMINADO (Brasil, 2013, Méida metragem)

Link para assistir:

http://horroralternativo.blogspot.com.br/2014/07/inominado-2013.html

031 1927 AURORA (SUNRISE, EUA)

Direção: F. W. Murnau

Produção: William Fox

Roteiro: Hermann Sudermann, Carl Mayer

Fotografia: Charles Rosher, Karl Struss

Música: Timothy Brock, Hugo Riesenfeld

Elenco:

George O’Brien ………… O marido

Janet Gaynor …………… A esposa

Margaret Livingston …… A mulher da cidade

Bodil Rosing …………….A babá

J. Farrell MacDonald …...O fotógrafo

Ralph Sipperly …………. O barbeiro

Ainda: Jane, Winton, Arthur Housman, Eddie Poland, Barry Norton

Oscar: William Fox (produção artística e notável), Janet Gaynor (atriz). Charles Rosher, Karl Struss (fotografia)

Indicação ao Oscar: Rochus Gilese (direção de arte)

Os fanáticos por curiosidades talvez notem que, embora muitos livros geralmente citem Asas como o primeiro ganhador do Oscar de Melhor Filme, a honra, na verdade, foi para dois filmes: Asas, de William Wellman, recebeu o prêmio de "Produção" e Aurora, de F. W. Murnau, o de "Produção Artística e Notável". Se a segunda categoria impressiona mais do que a primeira, isso explica em parte por que Aurora, e não Asas, continua sendo um dos filmes mais reverenciados de todos os tempos. Inicialmente, William Fox trouxe Murnau para os Estados Unidos com a proposta de um grande orçamento e total liberdade criativa, e o fato de Murnau ter se aproveitado ao máximo disso nesta formidável obra-prima ratifica sua incomparável reputação de gênio do cinema. A simplicidade do filme é enganosa. Com o subtítulo um tanto enigmático de Uma canção de dois humanos, Aurora se concentra em um casal do interior cujas vidas são destruídas por uma sedutora mulher da cidade. Contudo, Murnau retira ondas de emoção do que poderia ser melodrama corriqueiro, enriquecendo-o com uma série de inovadoras técnicas cinematográficas. A mais notável delas é o uso de efeitos sonoros, deixando o cinema um passo mais próximo da era falada - uma conquista injustamente ofuscada por O cantor de jazz, lançado posteriormente também em 1927, Murnau também manipula com criatividade o uso e o efeito dos intertítulos (três anos antes, dirigira A última gargalhada sem intertítulo algum). O mais fascinante aspecto de Aurora é o trabalho de camera. Trabalhando com dois fotógrafos. Charles Rosher e Karl Struss, Murnau baseou-se na sua própria experiência com o expressionismo alemão, assim como nas pinturas bucólicas dos mestres holandeses, especialmente Jan Vermeer. Ligadas por graciosos e inventivos movimentos de câmera e realçadas por truques de fotografia (como múltiplas exposições), as cenas de Aurora parecem um primoroso still. Por mais mágicas que sejam as imagens, a própria simplicidade da história confere a Aurora um peso dramático formidável. George O'Brien, ponderando o assassinato de sua inocente esposa (Janet Gaynor), é consumido pela culpa e a mulher reage com terror quando suas intenções ficam claras. A viagem de barco em direção à sua planejada morte é carregada de suspense e de uma estranha tristeza, à medida que o bom O'Brien luta para levar suas monstruosas intenções a cabo. Margaret Livingston, no papel de sedutora urbana, parece, em muitos aspectos, o equivalente feminino do vampiro de Murnau, conde Orlok (do filme Nosferatu, de 1922), atormentando sem piedade a alma do pobre O'Brien. Em uma cena, ele chega a ser assombrado por imagens espectrais dela, que o cercam, encurralam e provocam com desejos homicidas. Infelizmente, o filme se mostrou um fracasso de bilheteria e Murnau morreu em um acidente de carro poucos anos depois. Entretanto, Aurora continua sendo um marco que serve de medida para todo e qualquer filme, seja ele mudo ou não. Numa era mais primitiva, é um apogeu artístico cuja sofisticação contradiz os recursos da época. Sua sombra se projeta sobre diversas grandes obras subsequentes, de Cidadão Kane (1941), de Orson Welles, a A bela e a fera (1946), de Jean Cocteau, porém, ao mesmo tempo, seu próprio brilho é inimitável. JKI

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 031)

030 1927 METRÓPOLIS (METROPOLIS, ALEMANHA)

Direção: Fritz Lang

Produção: Erich Pommer

Roteiro: Fritz Lang, Thea von Harbou

Fotografia: Karl Freund, Günther Rittau

Música: Gottfried Huppertz

Elenco:

Alfred Abel ………………Joh Fredersen

Gustav Fröhlich …………Freder Fredersen

Brigitte Helm ……………..Maria

Rudolf Klein-Rogge ……C.A. Rotwang

Fritz Rasp ………………O homem magro

Theodor Loos …………Josaphat

Ainda: Heinrich George

Com uma duração original de mais de duas horas, Metropolis, de Fritz Lang, é o primeiro épico de ficção científica, com cenários imensos, centenas de figurantes, efeitos especiais de ponta para a época, muito sexo e violência, uma moral nada sutil, atuações grandiosas, um quê de goticidade alemã e inovadoras sequências de fantasia. Financiado pela UFA, o gigante cinematográfico alemão, o filme foi controverso e se revelou um desastre de bilheteria que quase levou o estúdio à falência. O enredo é quase tão simplista quanto um conto de fadas: Freder Fredersen (Gustav Fröhlich), o filho mimado do Mestre de Metrópolis (Alfred Abel), descobre a miséria em que vive a horda de trabalhadores que garante o funcionamento da luxuosa supercidade. Freder passa a compreender o sistema através da angelical Maria (Brigitte Helm) - uma pacifista que serve constantemente de mediadora entre disputas industriais - e do trabalho secreto em uma das esmerilhadoras massacrantes durante 10 horas por dia. O Mestre consulta o engenheiro louco Rotwang (Rudolf Klein Rogge), criador de um robô feminóide que ele remodela para ser uma cópia má de Maria e solta na cidade. A robotrix começa dançando nua em uma boate decadente e termina provocando uma violenta rebelião, o que permite a Lang aproveitar ao máximo seus enormes cenários fabris explodindo-os e/ou inundando-os. No entanto, Freder e a verdadeira Maria salvam o dia resgatando as crianças da cidade de uma enchente. A sociedade se reconcilia quando Maria decreta que o coração (Freder) precisa ser o mediador entre o cérebro (o Mestre) e as mãos (os trabalhadores). Logo depois de lançado, a distribuição do dispendioso filme foi interrompida e ele foi remontado contra a vontade de Lang: essa versão truncada e simplificada continuou sendo a mais conhecida - inclusive na sua forma remixada e colorizada por Giorgio Moroder na década de 1980 - até o século XXI, quando uma restauração parcial (com sutis intertítulos de ligação para substituir as cenas que continuam irreversivelmente perdidas) chegou bem mais perto da visão original de Lang. Essa versão não só acrescenta várias cenas que passaram décadas inéditas como também restaura a ordem delas na versão original e acrescenta os intertítulos corretos. Até então considerado um filme de ficção espetacular, porém simplista, essa nova-velha versão revela que a ambientação futurista não tinha a intenção de ser profética, mas sim mítica, com elementos da arquitetura, indústria, design e política da década de 1920 misturando-se com o medieval e o bíblico para produzir imagens de uma arrebatadora estranheza: um robô futurista queimado na fogueira: um cientista louco e mão-de-ferro que é também um alquimista do século XV; os trabalhadores que se arrastam em direção às mandíbulas de uma máquina que é também o antigo deus Moloch. A interpretação de Fröhlich como o herói que representa o coração ainda é extremamente exagerada, porém o engenheiro Rotwang de Klein-Rogge, o Mestre de Metropolis de Abel e, principalmente, Helm, no papel duplo da angelical salvadora e da femme fatale de metal, estão magníficos. Depois que boa parte da história foi restaurada a partir de um mergulho nas motivações contraditórias dos personagens, a fantástica trama passa a fazer mais sentido e podemos vê-la tanto como um bizarro drama familiar quanto como um épico de repressão, revolução e reconciliação. KN

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 030)

029 1925 O GRANDE DESFILE (THE BIG PARADE, EUA)

Direção: King Vidor

Produção: Irving Thalberg

Roteiro: Harry Behn, Joseph Farnham

Fotografia: John Arnold

Música: William Axt, Maurice Baron, David Mendoza

Elenco:

John Gibert ……… James Apperson

Renée Adorée ……Melisande

Hobart Bosworth …Sr. Apperson

Claire McDowell …Sra. Apperson

Claire Adams ……Justyn Reed

Robert Ober ………Harry

Ainda: Tom O'Brien, Karl Dane, Rosita Marstini George Beranger, Frank Currier

Baseado em uma história de Laurence Stallings, que escreveu o sucesso da Broadway Whats price glory?, o épico cinematográfico de King Vidor sobre a experiência americana na Primeira Guerra Mundial acompanha as aventuras de três soldados de origens diferentes que vão parar na França. O filhinho de papai Jim (John Gilbert), incentivado pela noiva a se alistar, conhece uma bela francesa (Renéc Adoréc) na vila escolhida para sua unidade. Em uma das mais comoventes cenas de O grande desfile, ela se abraça à bota que ele lhe deixou enquanto os soldados se encaminham para a frente de batalha. Assim que chegam às trincheiras, a batalha da floresta de Belleau dois amigos de Jim morrem e ele é ferido durante um ataque de metralhadora. Buscando abrigo em um buraco feito por uma bomba, Jim encontra um soldado moribundo já dentro dele e os dois dividem um cigarro. Por fim, ele é encontrado e levado para um hospital de campanha. Lá, perde os sentidos e não consegue retornar à casa de fazenda da francesa. De volta à América, Jim reencontra a família, mas sente-se muito infeliz por ter perdido uma perna. Independentemente disso, sua noiva está apaixonada por seu irmão. Jim acaba aceitando o conselho da mãe e volta para a França, onde, na passgem mais emocionante do filme, encontra sua paixão perdida ajudando a mãe a arar o campo. Com sua primorosa mistura de comédia física (especialmente nas cenas na casa de fazenda) e ação bem encenada, O grande desfile fez um enorme sucesso – o que ratificou o zelo do produtor Irving Thalberg com a produção e é uma das pérolas do fim da era do cinema mudo. Gilbert desempenha bem o papel de Jim, demonstrando o charme que atraía o público aos cinemas e que o tornou um dos maiores astros da sua era, enquanto Adoreé mostra-se adequadamente sedutora como seu par amoroso. Por mostrar os horrores da guerra, O grande desfile foi muitas vezes considerado um tratado pacifista, embora seja, na verdade, apolítico. Como queria Thalberg, o filme é muito mais uma comédia romântica, sendo a guerra apenas o meio pelo qual Jim se torna um homem e descobre o tipo de vida que de fato quer viver. RBF

(1001 FILMES PARA VER ANTES DE MORRER 029)

Uma obra-prima sobre o ridículo do homem

Por Paulo Santos Lima

No cinema americano dos anos 20, a câmera fixa já era, grosso modo, um procedimento da convenção, servindo justamente à fluência narrativa, à invisibilidade do aparato, pura adoção de um fazer mais que bem sucedido. Em 1925, King Vidor, sem trair a gramática do cinema narrativo, utiliza planos fixos e a devida concatenação entre os mesmos para subverter e transtornar certos códigos comumente decifrados nos filmes comerciais. Mistura um humor negro, quase cômico, temperado com romantismo, para então tratar dos efeitos medonhos da guerra e sua estupidez homicida.

O Grande Desfile, obra-prima do cinema americano, teve seu DNA nas fórmulas dos filmes de guerra feitos desde então, mas seu valor está realmente nos efeitos revolucionários que uma obra de cunhagem mainstream pode fazer espraiar. O plano fixo, no caso, é de orgânica importância num filme que, mais que apedrejar a guerra, atira contra a hipocrisia do lado de cá,ou seja, na platéia de civis que legitimam o heroísmo. Portanto, O Grande Desfile é uma questão de campo e contracampo. De um lado, o que seria chamado de glorioso; do outro, pernas decepadas, vidas estilhaçadas. Nesse jogo, King Vidor começa o filme mostrando seu protagonista, Jim (John Gilbert), visto por família e noiva como um dândi alienado num momento “em que todos têm de ser úteis” até o instante em que ele decide, tolamente, se alistar para lutar na 1ª Guerra Mundial. A seqüência seguinte mostrará Jim e seus colegas de batalhão, todos proletários rudes, numa igualdade suprema, à espera da batalha e tirando esterco da praça, lavando cuecas e afins. Jim se apaixonará sem o menor freio por uma aldeã francesa e passará amargos momentos nas trincheiras, que, humor sempre à vista, faz da desgraça algo ridículo, patético, estrambótico.

Ainda que seja formidável uma cena como a do alemão baleado por Jim que, por sua vez, acolhe o rapaz em seus últimos instantes, dando-lhe cigarro e o ombro para o tombo derradeiro, mais complexo e total é o plano que dá início à seqüência da guerra na história, intitulada “o grande desfile”: uma estrada longitudinal à tela, coalhada de caminhões militares e sobrevoada por aeroplanos, em estatura de megaprodução. Logo vemos, numa estrada lateral, vários soldados feridos retornando do front, fazendo contracampo no mesmo enquadramento aos soldados protagonistas. mas é mesmo no plano-espelho que virá mais tarde, avesso ao plano introdutório do “grande desfile”, que estará toda a riqueza formal de O Grande Desfile. O aparato de guerra, visivelmente diminuído e exaurido, ganha tal leitura sobretudo pela experiência que tivemos na longa e dura seqüência da batalha. Vidor coloca à nossa frente pranchas de imagem e, pelas brechas entre uma e outra, traz o inferno total.

Não é à toa a situação de Jim que, revisitando aqueles que julgavam aquela barbárie como um campo de glórias e flores, opta por retornar à França e encontrar a sua francesinha Melisande. O final feliz está na tela, mas o corajoso Jim, que lutou bravamente e um tanto equivocadamente, perdeu uma perna. Sua silhueta, chegando ao encontro da amada, é o desengonço total, um homem cuja imagem a guerra tornou ridícula, fora do prumo. Obedecendo ao cinema de gênero que já dava largos passos nesse ano de 1925, com narrativa de transparência total e final feliz, King Vidor subverte na disposição de elementos e assuntos trazidos pela imagem. Na soma dos planos e ações, temos em princípio um galã em primeiríssimo plano que se torna, ao final, um espectro no fundo do quadro, uma quase inserção gráfica de andar curto-circuitado.

Honrando o cinema fundado na tradição de Griffith, o grande desfile não é um ou outro momento, mas o conjunto de todos os momentos filmados e projetados na tela, de todos os desfiles, grandes ou pequenos, subterrâneos ou evidentes, idealizados por King Vidor para este seu longa. Grande filme. Grande obra-prima. O Grande Desfile.

FONTE: http://www.revistacinetica.com.br/jornadabigparade.htm